JOHN CARTER: BAJO LAS LUNAS DEL ARTE

November 10, 2013, 9:54 am

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A lo largo de su vida, Edgard Rice Burroughs (1875-1950) fue un frustrado soldado de caballería y un anodino comerciante de sacacorchos, pero su fama llegaría a grandes alturas gracias a su labor como escritor.

De su prolífica pluma vieron la luz una serie de aventureros que, desafiando peligros inimaginables, derrotaban a los malos y se quedaban con la chica… que invariablemente ostentaba una belleza indescriptible y siempre iba muuuuyyyy ligerita de ropas.

Si bien su personaje más exitoso fue Tarzan de los Monos, el primer personaje creado bajo su égida fue un soldado llamado John Carter que, mediante una misteriosa forma de transporte de naturaleza espiritual, iba a dar con sus huesos al planeta Marte. Esta historia, conocida como Bajo las Lunas de Marte fue publicado por entregas en la revista All Story Weekly entre julio y septiembre de 1911.

El Marte de Burroughs no es el desolado mundo que conocemos a través de diferentes zondas robotizadas que han sido allí enviadas por la NASA. Este mundo es un poco hospitalario lugar donde coexisten diferentes razas (verdes, rojas, blancas, negras y amarillas) que luchan entre si para lograr la supremacía de una sobre la otra.

Marte es un planeta peligrosamente mortal, lleno de terribles bestias y feroces guerreros que amenazan la vida del protagonista. Pero, lejos de transformarse en una débil víctima de todo ese caos, John Carter (merced a su mayor fuerza física y agilidad como consecuencia de la baja gravedad del planeta rojo) se verá transformado en un temido y poderoso luchador, una situación que terminará encumbrándolo como Señor de la Guerra de Barsoom y así obtener como recompensa la mano de la bella e inigualable princesa Dejah Thoris de Helium.

El desarrollo de estas historias escritas por Burroughs no se destacan precisamente por su originalidad o su complejidad argumental, pero muy pocos pueden sustraerse de la mágica aventura que se va desarrollando a lo largo de las páginas.

Los héroes son bondadosos, justos y valientes a grados extremos.

Los malos son arteros, retorcidos y siniestros.

Las mujeres son increíblemente hermosas y fieles compañeras del hombre amado.

Las exóticas criaturas extraterrestres son extrañas y mortales.

El mundo de John Carter no tiene matices... o es blanco o es negro y por ende no hay segundos mensajes ni filosofía existencialista.

Y es esa sencillez la que nos permite disfrutar sin tapujos en una gran aventura que jamás podrá llegar a aburrirnos.

La saga de John Carter de Marte está conformada por 11 libros, a saber:-

-Una Princesa de Marte (A Princess of Mars -1917-)

-Los Dioses de Marte (The Gods of Mars -1918-)

-El Señor de la Guerra de Marte (The Warlord of Mars -1919-)

-Thuvia, la Doncella de Marte (Thuvia, Maid of Mars -1920-)

-El Ajedrez viviente de Marte (The Chessmen of Mars -1922-)

-El Cerebro Supremo de Marte (The master Mind of Mars -1928.)

-Un Guerrero de Marte (A Fighting Man of Mars -1931-)

-Espadas de Marte (Swords of Mars -1936-)

-Los Hombres Sinteticos de Marte (Synthetic Men of Mars -1940-)

-Llana de Gathol (Llana of Gathol -1948-)

-John Carter de Marte (John Carter of Mars -1964-)

-GALERÍA DE IMÁGENES-

A lo largo de los años desde su concepción, la saga de Marte se ha encargado de alimentar la imaginación de los lectores. Pero no cabe ninguna duda que la misma se viera incrementada por todos aquellos grandes ilustradores se han encargado de plasmar en sus dibujos todo ese fascinante mundo en las portadas de los libros, en los comics y en las revistas dedicadas al tema.

Más abajo tendrán la oportunidad de ver la obra de siete auténticos maestros, los cuales han sabido retratar con acierto lo que Edgard R. Burroughs escribió hace más de 90 años.

J. ALLEN ST JOHN (1872-1957)

Escritor e ilustrador estadounidense que se hizo muy conocido debido principalmente a las ilustraciones realizadas para la obra de Edgard Rice Burroughs.

Fue profesor del Instituto de Arte de Chicago y de la Academia Americana de Arte.

Sus primeros trabajos fueron publicados por el diario New York Herald en 1898 y esto lo llevaría a iniciarse en el terreno de la ilustración de libros, periódicos y revistas.

A partir de 1915 comenzó a realizar las portadas de los libros de Tarzan y posteriormente buena parte de la obra de Burroughs.

Entre 1940 y 1950 realizó trabajos para las revistas Amazing Stories, Fantastic Adventures, Fate, Other Worlds y Mystic Magazine.

FRANK EARLE SCHOONOVER (1877-1972)

Prolífico ilustrador estadounidense que formó parte de la Escuela Brandywine (colonia artística fundada por Howard Pyle cuyas obras fueron ampliamente publicadas en novelas de aventuras, revistas y novelas del siglo XX).

Dentro de sus trabajos se destaca las historias de Hopalong Cassidy, Una Princesa de Marte (1917), Cortes the Conqueror (1917), Tales of Shakespeare (1918), Juana de Arco (1918), Robinson Crusoe (1921), La Isla del Tesoro (1922), Ivanhoe (1925) y una serie de pinturas referentes a la Primera Guerra Mundial.

REED CRANDALL (1917-1982)

Ilustrador y dibujante de comics, conocido por su trabajo en la serie Blackhawk de Quality Comics y por sus aportes creativos para la editorial E. C. Comics, durante la década del 50, y la Warren.

FRANK FRAZETTA (1928-2010)

Este magnífico pintor, ilustrador y dibujante de historietas ha sabido ganar su lugar en el amplio panorama de la ciencia ficción y la fantasía.

Personajes como Conan, Tarzan, Vampirella y el mismísimo John Carter cobraron una dimensión que incluso fue más allá de la exitosa obra literaria.

Sus trabajos de ilustración pueden ser apreciados en numerosos libros y revistas del género, los cuales desbordan de una gran imaginación que se encarga de despertar, en todo aquel que tiene la oportunidad de acdceder a su obra, el sentido de lo maravilloso.

Desde edad temprana aquellos que lo conocían fueron testigos directos de su inigualable talento. Sus primeras incursiones fueron en el terreno de los comics, sobre todo para Editorial DC. También realizó las cubiertas para Buck Rogers y, junto a Dan Barry, trabajó en Flash Gordon.

Entre 1965 y 1963 trabajó para Warren Publishing. Fue allí donde su técnica alcanzó cotas jamás imaginadas, las cuales influenciarían a artistas de la talla de Jeff Jones, Bernie Wrightson, Michael Whelan y Boris Vallejo.

MARK SCHULTZ (1955)

Si quieren saber más de la obra creativa de este ilustrador pinchen aqui

JOE JUSKO (1959)

Pintor e ilustrador norteamericano caracterizado por el realismo impuesto en sus trabajos, los cuales se engloban dentro del terreno de la fantasia, la ciencia ficción y el pin-up.

Entre sus muchos trabajos se destacan las Trading Cards conocidas como Marvel Masterpieces durante la década del 90.

A lo largo de su vida trabajo en innumerable cantidad de comics de diferentes editoriales como como DC Comics, Crusade Comics, Innovation Comics, Harris Comics, Wildstorm, Top Cow y otras.

Para la editorial Dynamite Entertaintment realizó las ilustraciones de los comics dedicados a la saga de John Carter de Marte, con títulos como Warlords of Mars, Dejah Thoris y Fall of Barsoom.

FRANK CHO (1971)

Guionista e ilustrador de comics nacido en Seul, Corea. Cuando tenía tan solo 6 años se trasladó con su familia a los EE. UU.

Su primer trabajo profesional fue la tira de prensa Liberty Meadows para The Diamondback, un diario estudiantil de la Universidad de Maryland. Debido a problemas con la censura, terminaría publicándolo en formato de Comic Book.

La Editorial Marvel, al tener la oportunidad de acceder a estas páginas, le encarga la realización de alguno de los títulos de la casa. Es así como comienza a trabajar con Shanna, Mighty Avengers y Los Nuevos Vengadores, entre otros.

Dentro del detallado aspecto artístico de toda su obra es dable a destacar sus despampanantes figuras femeninas, un auténtico deleite para los ojos de todos los hombres (entre los que por supuesto me incluyo).

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EL MARAVILLOSO MUNDO DE JACK

November 19, 2013, 6:40 pm

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EXTRACTO DEL REPORTAJE APARECIDO EN LA REVISTA JACK KIRBY COLLECTOR Nº 7 (http://twomorrows.com/kirby)

Traducido por quien les escribe (un auténtico desconocedor del lenguaje del bardo… por lo cual pido disculpas por anticipado ante los errores y omisiones que puedan llegar a presentarse)

Jack Kirby - The Master of Comic Book Art © 1987, 1995 por Ken Viola.

"Los cómics son las mejores personas en el mundo"
JACK KIRBY

KEN VIOLA: Cuando se acerca a la página en blanco de un Comic Book ¿Cuáles son sus acciones con respecto a la narración?

JACK KIRBY: Primero veo la historia. Siento que la historia es primero. Sé que las personas son primero, y las pongo para que vivan en esas páginas. Mis historias son muy sinceras. Mis historias son historias de la gente y hay elementos que son muy, muy reales.
Siento que no importa el tipo de historia que vas a escribir, si eres sincero en contar esa historia. El lector lo sentirá porque él (o ella) no es diferente a ti. Siempre he sentido que si puedo comunicarse conmigo mismo, puedo hacerlo con cualquier otro.
Nunca quise un público típico, quería un público universal. Yo hablo con todo el mundo. Cuando empecé con el Capitán América, decía:- ¡Escucha mundo, así es como me siento! Pero yo no lo sabía entonces, yo no era tan sofisticado. Lo que hice en el Capitán América fue parte de mi propia experiencia. Si hubo una pelea, fue una pelea real, y la hice entretenida.
Cuando yo era un muchacho muy joven, yo solía esperar a que pasasen tres chicos y pensar en como darles una paliza. ¿Cómo podía luchar un tipo contra tres? Yo lo haría en el Capitán América. ¿Cómo lucha un tipo contra diez? Y eso es lo que salió en la historia. Ese fue un elemento en el Capitán América por el cual se conectó con todo el mundo.
Y eso es lo que hice. Inconscientemente recurrí a mis propios sentimientos, que eran muy reales... y llegaron a la página. Eso me ayudó en mi trabajo, que era vender Comic Books. Nunca sentí que iba a ser un Rembrandt. Nunca lo quise ser. Vendí esas revistas, tenía un salario, y traía dinero a casa.

-FOREVER AMORE-

KV: Las leyendas, los mitos y los clásicos han sido revitalizados y redefinidos por usted. ¿Por qué se sintió atraído por ellos?

JK: Las leyendas son reales. En mi opinión, no importa que tengan una base irreal. Sentí que las leyendas nacieron ante la necesidad de suavizar el sufrimiento de alguien.
Si usted fuera un vikingo, que acaba de regresar de una batalla, cubierto de sangre... se mira a sí mismo y se siente desgraciado... pero cree que siempre estaba Thor machacando heroicamente en la cumbre de la montaña. El rayo que relampaguea y el gran Odín estaba allí sonriendo.
En aquellos días, todas estas figuras glamorosas no podían venir de una pantalla de cine. Tenían que originarse por sí mismos para, creo, eliminar el sufrimiento personal de la clase de vida que esas personas llevaban. Tiene que haber un alivio, un momento más claro para ese tipo de cosas. Tú no eres el chico de aspecto más limpio del mundo. No te ves como el héroe que imaginas. Así que tienes que sacar a relucir algunas figuras heroicas.
Lo han hecho que a lo largo de los siglos. Zeus se convirtió en Júpiter, que se convirtió en Odín. Supongo Odín se convirtió Wotan. Estas tribus (salvajes) debían tener ese tipo de figura para ensalzar su propia existencia, para entretener a sus propias almas. Ellos tenían que decirse a sí mismos que lo que hicieron lo fue en términos sobrenaturales, o de lo contrario no podrían sobrevivir.
Hay gente en el día de hoy que trata de sobrevivir a las guerras anteriores. Es duro. Y es por eso que tiene que esta tiene que llegar a ser legendaria. Hoy en día se hacen películas, y las películas se convierten en los mitos, el entretenimiento.
Toda la historia es así. Las personas crean mitos para sobrevivir. Así como quieren sobrevivir en la batalla, tienen que sobrevivir toda su experiencia de vida. No sé cómo era para la gente al principio, pero debe haber sido muy extremo y muy duro para sobrevivir, y creo que por eso tenemos estos mitos tan dramáticos.

-MATTEL CARD PUZZLE-

KV: Del mismo modo, después de la Primera Guerra Mundial y la Gran Depresión, llegaron los súper-héroes. ¿Crees que por eso es que se desarrollaron?

JK: ¡Oh, sí! Los súper-héroes fueron creados por dos jóvenes ordinarios del Medio Oeste. Nos dieron estos enormes mitos que ahora son conocidos internacionalmente. Los super-héroes son muy americanos. Allí estaban los jóvenes que nos han dado un mito. Creo que es un gran logro.
Los jóvenes que vinieron después de ellos e hicieron lo mismo se debió no sólo a su experiencia de la vida, pero tenían la voluntad por hacer algo que fuera más allá de su propio modo de vida, para lo cual no tenían ningún método. Ellos estaban dispuestos a colocarse en ese lugar, para crear nuevos mitos, que no es un trabajo pequeño, ¡y lo hicieron!

KV: Usted ha dicho que el enfoque intelectual de su trabajo se basa en haber crecido en Nueva York.

JK: Tenía que ser. Cualquier forma de vida que proyecté fue plasmada por lo que era. Escribí sobre los europeos, o personas de otras regiones, y fueron mis limitadas impresiones las que puse en esas páginas.
Soy un escritor de personas. Conozco al tipo de al lado. Sé lo que está pensando, de lo que es capaz. La edad del escritor es inmaterial. No soy más sabio de lo que era en ese momento. Conozco bien a la gente, me crié entre una multitud de ellos.
Yo recuerdo haber hecho una caricatura en el que Neville Chamberlain (primer ministro de Inglaterra ante de la Segunda Guerra Mundial) estaba acariciando la cabeza de una boa que representaba a Hitler. En el centro de la serpiente había una protuberancia en el que se leía Checoslovaquia. Neville Chamberlain acababa de dar a Checoslovaquia a Hitler. El jefe del sindicato me llamó y me dijo “¿Cómo te atreves a dibujar una caricatura política así?” En esos días fue muy importante. Estas cosas sucedían realmente. ¿Cómo sabes acerca de estas cosas? Me preguntó y le dije: No es una cuestión de política para mí. ¡Conozco a un gángster cuando lo veo! ¡Si le das a un gángster una cosa, va a pedir más! Esa era la forma de las cosas. Es algo que acababa de saber, y cuando lo expones el otro entiende.
Todas mis historias han sido así, nunca han sido artificiales.

-LORD OF LIGHT-

KV: ¿Cuáles son los conceptos básicos para el héroe y el villano?

JK: El héroe es para mí un tipo ordinario en una situación extrema. El villano es el mismo, salvo que los resultados de sus acciones pueden ser muy perjudiciales. Las acciones del héroe puede resolver la situación en términos positivos. El héroe no es una figura de cartón, y tampoco es el villano o la víctima. Siento que los tres tienen que corregir una situación muy extrema de alguna manera esperanzadora, y eso se refleja en todas las historias que escribo.
El héroe no está libre de las mismas cosas que afectan al villano. Ambos son seres humanos con problemas. El villano tiene el problema de la codicia, la venganza o lo que le plazca y debe ser resuelto. Un villano que tenía era un hombre simpático, que incluso te daría una buena comida antes de acabar con tu vida. Él estaría bien y era una parte real de su maquillaje. Tenía estilo, pero sus intenciones eran muy malas y destructivas. Él tenía el tipo de problemas que lo hizo destructivo.

KV: Hubo una increíble racha de temas en los Cuatro Fantásticos, en donde crearía a Galactus, Silver Surfer, los Inhumanos, y Pantera Negra.

JK: Sí, eso es cierto.

-DARK DOMAIN-

KV: ¿Se acuerda de ese período de avance creativo y de sus fuentes de inspiración?

JK: Mi inspiración era el hecho de que tenía que hacer ventas e inventar personajes que no fueran estereotipos. En otras palabras, no podía depender de los gangsters, tenía que conseguir algo nuevo.
Por alguna razón, me fui a la Biblia, y se me ocurrió Galactus. Y ahí estaba yo frente a esta tremenda figura, a quien conocía muy bien porque siempre lo he sentido. Desde luego, no podía tratar de la misma manera que lo haría con cualquier mortal común y corriente. Y recuerdo mi primera historia. Silver Surfer era, por supuesto, el ángel caído. Cuando Galactus lo relegó a la Tierra, se quedó en la Tierra, y fue el comienzo de sus aventuras.
Eran figuras que nunca se habían utilizado antes en los cómics. Ellos estaban por encima de las figuras míticas. Y, por supuesto, ellos fueron los primeros dioses. Comencé a pensar en ese sentido, y finalmente evolucionaron en Los Nuevos Dioses. Empecé a preguntarme a mí mismo, todo el mundo tiene sus dioses. ¿Cuáles son los nuestros? ¿Cuál es la forma de nuestra sociedad en forma de mitos y leyendas? ¿Quiénes son nuestros dioses? ¿Quiénes son los malvados, y los buenos?
Traté de resolver eso en los Nuevos Dioses, y se me ocurrieron algunos personajes muy interesantes, y hubo muy buenas ventas, que me satisfacieron enormemente. Ahora, yo no resolví esas preguntas. Soy un tipo que vive con una gran cantidad de preguntas, y me parece muy interesante. Me pregunto, ¿Qué hay ahí fuera? y trato de resolver eso, y nunca puedo. No creo que nadie pueda. ¿Quién tiene las respuestas? Por eso vivo con un montón de preguntas. Si mi vida fuera a terminar mañana, se cumpliría de esa manera. ¡Yo diría que las preguntas han sido increíbles!

Así que sentí que estos nuevos personajes eran muy válidos y muy reales. Estoy seguro de que usted y yo nunca veremos a Darkseid, y sin embargo yo sé que está ahí. Usted y yo nunca veremos a Highfather pero sé que está ahí. Usted y yo nunca vamos a pisar New Genesis... tal vez alguna parte de Apokolips, pero sabemos que existen esos planetas, al menos eso creo. Metron, en mi opinión, es un avance en la mitología. Nunca hemos tenido un carácter parecido. Es nuestra voluntad de saber. Si nos fijamos en la alta tecnología de cualquier lugar, verás el reflejo de Metron, y sabes que nunca va a parar, que la curiosidad nunca se detendrá. Están trabajando con los chips de un ordenador y las células orgánicas en este mismo momento. ¿Cuándo se detendrá esto? No sé, pero es un problema interesante. ¿Cuál será el resultado? ¡A Metron le gustaría saber!

KV: ¿Cómo abordó el desarrollo de su arte?

JK: Me acerqué a él con la dramatización de mi dibujo. Soy un cinéfilo empedernido. Creo que soy como una especie de cámara humana. Soy la cámara y sé que si te acercas a mí te distorsionare y escorzaré de alguna manera. Y, por supuesto, para mí eso es un acontecimiento dramático. Experimenté con eso y funcionó. Me volqué a la perspectiva más dura que había, sólo para ver si iba a funcionar. Soy esa clase de persona. Yo experimentaba todo el tiempo, y los resultados fueron buenos. Creo que tengo un estilo muy singular y poco común, y esa es la razón por la que nunca firmo mis dibujos. Todo el mundo podría identificar mis tapas a una milla de distancia en el quiosco, y eso me satisface. No tengo deseos de hacer más allá del tipo de dibujo que atraiga la atención y lo hice.

-NEW GODS-

KV: Si nos fijamos en el dibujo que hizo en los años 40 y a mediados de los años 60, y después de eso, hay una diferencia discernible.

K: Es verdad, en el sentido de que estaba haciendo un tipo diferente de cosas después de los años 60. Comencé a profundizar los temas que había hecho antes.
Si ves mis dibujos en los años 50, verás que los años 50 se reflejan allí y eso va para todos los objetos en las ilustraciones, desde automóviles hasta ropas y los edificios.
Si ves mis dibujos en los años 60, verás que los años 60 se reflejan allí, y yo sentía que el contacto puntual era lo que se necesitaba.
Incluso en mis leyendas, encontrarás que muchas de las preguntas planteadas en los años 50 y 60 también estaban. Sentí esas eran cuestiones importantes.

Mi mayor alegría era que estaba hablando a los jóvenes de la época, y yo hablé con muchos de ellos y lo pasábamos de maravilla. La gente me envía sus trabajos y me piden que analice mis propios personajes. Se preguntaban: ¿Quién es Orión? ¿Quién es el Black Racer? Yo dibujaba lo que sentía.
En el análisis de Orion, que es un asesino atrapado entre personas que lo aman (risas), en un planeta donde todos eran amigos, no podía dar paso a sus propios instintos. Él se sentía frustrado. Él se sentaba a compadecer en una especie de cueva en Nueva Génesis. Aquí había un hombre que quería amar y odiar al mismo tiempo, y no lo podía hacer bien. Yo sabía la clase de hombre que era.
Me pregunté, ¿Por qué pones a un hombre negro en un traje colorido y volando con skies? Sabía que era el Black Racer. Tal vez esa era la única forma en que podía volar. Y, por supuesto, creo que hay un problema allí... la gente desea decir, aquí estoy y esto es lo que hago... Eso es lo que estaba queriendo decir con esa gente en esa franja particular.
Darkseid decía, ¿Qué estoy haciendo? Tengo todo... pero no todo, ¡Lo quiero todo! Y, por supuesto, esa era su frustración. Hay gente así, que lo quiere todo. Hay gente como Highfather que están jugando con todos los demás y de repente se dan cuenta de que no han estado jugando su propio juego. Él resuelve el problema diciendo: Esto es lo que soy. Yo siempre voy a ser así.
Es en esa línea en particular que he escrito y dibujado a todos mis personajes. Yo respeto a la gente y siento que debo reflejar su propia existencia, que creo que es lo que la gente quiere. Usted no tiene que decirme qué hacer, lo hago a mi manera. Pero, ¿Qué podemos hacer juntos en este mundo? Vivimos todos juntos en el mismo planeta. No es un mapa para mí, es un mundo. La gente cree que el mundo está marcado por fronteras, pero para mí, no lo es.

KV: Usted es famoso por la dinámica acción de ruptura de los paneles.

JK: Porque siento que eso es lo que sucede. Si usted está en el final de un puño, eso es lo que se ve, o si usted está involucrado con una explosión, esa sería su impresión. Me pareció que sería la mía, así que lo dibujé de esa manera.

KV: Para citar: Un hombre puede simplemente hacer su trabajo y utilizar esta conexión mística que pone a su trabajo. ¿Qué lo llevó a crear tantos conceptos increíbles y producir tantas páginas al mismo tiempo?

JK: Para mantener mis comics, tuve que entretener continuamente. Por lo tanto, tuve que buscar nuevos ángulos, nuevos temas, nuevos desarrollos, nuevas formas de mantener vivo el entretenimiento, y eso es lo que hice.

KV: Pero de entre todas las personas del ámbito del cómic, no puedo pensar en nadie más prolífico.

JK: Bueno, creo que es una de las razones de mi longevidad en el campo. Yo quería hacer eso, hacer bien mi trabajo. Quería vender revistas y eso se convirtió en parte de mi vida. Todavía lo estoy haciendo. Es el tipo de chico en que me convertí y dudo que sea capaz de cambiar.

KV: Al crear estos grandes héroes y villanos, ¿cómo te acercas a sus trajes... como, por ejemplo, el Dr. Doom?

JK: Yo traté de desarrollar el vestuario a lo largo de líneas clásicas. El Dr. Doom fue la concepción clásica de la muerte, de la proximidad de la muerte. Vi al Dr. Doom como el hombre de la máscara de hierro, que simboliza la muerte inminente. Fue el motivo de la armadura y la capa. La muerte está conectada con la armadura y el inhumano acero. La muerte es algo sin misericordia y la carne humana contiene ese elemento de la misericordia. Por lo tanto tuve que borrarlo, y lo hice con una máscara.

-DR. DOOM-

KV: Los collages que ha diseñado para representar visualmente universos, ¿Cómo se le ocurrió eso?

JK: Yo sentí que la reproducción de la revista podía manejar esa clase de cambio y añadí una nueva dimensión a los cómics. Quería ver si podía materializarse y lo hice. Me encantó hacer collages. Hice un montón de ellos. Siento que todo el mundo debería. Es sorprendente lo que el hombre común puede hacer con materiales que no sean de cartulina y aplicarlos en el campo de la edición. Los Collages son un juego que todos podemos jugar y pasar un buen rato con él.

KV: Para alguien que ha estado en el medio desde el principio, ¿Cómo han cambiado los cómics para usted?

JK: Creo que han cambiado de actitud. Ellos se han suavizado un poco, las actitudes no son tan extremas. Han ido a zonas que nunca he pisado... nunca he juzgado a los hombres, yo no voy a juzgar a los cómics. No sé qué tan bien lo hacen o lo dejan de hacer, pero he visto el cambio. Creo que la edad no es el problema, sólo creo que la persona misma es el problema. Yo sé lo que sé, lo que pienso. Es todo lo que hay en mi mente. Y si puedo interpretar correctamente los tiempos, sé que estoy en perfecta sintonía con ellos.

KV: ¿Estuvo usted influenciado por las películas, novelas pulps, la ciencia-ficción?

JK: Por supuesto. Los pulps son la palabra escrita, y las películas eran el mundo visual. Aprendí de ambos. Aprendí a escribir dramáticamente de los pulps. Mis héroes eran los autores de las novelas pulp y los actores de las películas. Yo combiné los dos. Leí todo lo que pude y vi todo lo que pude.

KV: ¿Qué ve en el futuro de los cómics?

-ORION-

JK: Lo que los artistas y escritores quieren ver. Lo que se siente es que son un producto de los tiempos y si son sinceros, usted verá que los tiempos se reflejan en las actitudes de sus héroes y villanos. Si son buenos escritores y buenos artistas, verás los seres humanos de estos tiempos en los personajes que estas personas crean. Veo mucho talento, y espero que se materialice en formas que sean constructivas, que todos podemos aprender, reflexionar, y pensar. Tiene que haber esperanza. Un elemento positivo. Un buen momento.

KV: ¿Podría resumir lo que tiene de especial el medio del cómic?

JK: El propio medio del cómic es especial, el resultado de la evolución. Por lo que entiendo el cómic editorial fue el primero, y añadió unos paneles de eso, y tuvo la tira cómica. Se añadieron unas cuantas páginas a eso y tuvieron un Comic Book... y lo que podamos añadir a los cómics es posible que tengamos que pensar en eso.
Eso es lo que creo que es la parte más interesante del tema, ¿Qué es? ¿Hacia dónde se dirige? ¿Cómo va a evolucionar? y experimentamos con eso todos los días.
Creo que eso es lo que es la vida. Todos hacemos nuestro propio desempeño, y luego baja el telón, y el acto ha terminado.

Si querés saber algo más sobre la increíble vida del gran Jack Kirby, te recomiendo leer el artículo Jack Kirby: El Rey de la Creaciónaparecido en El Omega: El fin de todas las cosas.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

Las imágenes que hay a continuación corresponden a scans realizados en las revistas Jack Kirby Quaterly, Jack Kirby Collector, Biblioteca Marvel: Los 4 Fantásticos, Biblioteca Marvel: El Poderoso Thor y Biblioteca Marvel: Los Vengadores; y a los libros Jack Kirby: Rey de la Epopeya Gráfica y Jack Kirby King of the Comics.

MARVEL

-2001, UNA ODISEA ESPACIAL-

-BLACK BOLT-

-GALACTUS-

-LOS INHUMANOS-

-MARVEL PREMIERE # 31-

-ODIN-

-RED SKULL-

-SILVER SURFER-

-THE WATCHER-

-DARKSEID-

-FOREVER PEOPLE-

-LIGHTRAY-

-MANTIS-

-METRON-

-MR. MIRACLE-

-NEW GODS # 4-

-NEW GODS # 5-

-NEW GODS # 6-

-NEW GODS # 11-

-ROBOT DEFENDER-

-DEMON-

GUARDIAN & NEWSBOY LEGION-

-SANDMAN-

-SUPERPOWERS # 5-

MISCELANEAS

-LA ODISEA-

-CAPTAIN VICTORY-

-FIGHTING AMERICA-

-FOREVER AMORE-

-INTERGALACTIC FUTBOL GAME-

-TUNDARR THE BARBARIAN-

-THUNDARR THE BARBARIAN-

-SILVER STAR-

-REVERSION DE THOR-

-LORD OF LIGHT-

-LORD OF LIGH-

-DESTROYER DUCK-

-STUNT MAN-

-TIGER 21-

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BILL SIENKIEWICZ: AL LIMITE DE LA REALIDAD (3)

September 30, 2013, 12:08 pm

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Bill Sienkiewicz ha sido sin duda uno de los grandes referentes en el campo de la ilustración.

Sus trazos, que no por nada me hacen recordar los grandes trabajos realizados por el maestro Alberto Breccia, convierten a los comics es una obra única y, por tanto, valedera a la hora de evaluar su prolífica creatividad.

Durante el evento conocido como Comicópolis, llevado a cabo entre el 19 y 22 de septiembre en el predio de Tecnópolis, tuve la oportunidad de revitalizar mi admiración por este artista tan particular y ser testigo de su buena predisposición para con todos aquellos que hicimos la cola, cual si fuéramos extraños penitentes de una bizarra religión, para pedirle que nos hiciera algún dibujito, nos pudiéramos sacar una foto o nos firmara todo material que le ponían por delante.

A modo de despedida de la Argentina, pongo ante ustedes la tercera y última gran galería dedicada a la obra del gran Bill. Que lo disfruten.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

DARE DEVIL

ELEKTRA

MOONKNIGHT

UNIVERSO MUTANTE

-BLACK QUEEN-

-CYPHER-

-DAZZLER-

-FENIX-

-MAGIC-

-WARLOCK-

-MAGNETO-

-MIRAGE-

-NEW MUTANTS-

-NIGHTCRAWLER-

-QUICKSILVER-

-STORM-

-WHITE QUEEN-

-WOLFBANE-

-WOLVERINE-

-X-FORCE-

-LOS VENGADORES-

-BLACK WIDOW-

-BLADE-

-CAPITÁN AMÉRICA-

-DOCTOR STRANGE-

-DOCTOR DOOM-

-LOS CUATRO FANTÁSTICOS-

-GHOST RIDER-

-HELA-

-KAZAR-

-LOKI-

-MODOK-

-NAMOR-

-SHANNA-

-SILVER SURFER-

-CARNAGE-

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STAR ART (V): EL IMPERIO CONTRAATACA (3º ENTREGA)

April 27, 2013, 11:01 am

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REPORTAJE A IRVING KERSHNER –DIRECTOR-

Aparecido en La Guerra de las Galaxias: El Imperio Contraataca escrito por John May y Alan Arnold

KERSH es uno de esos tipos de los que se dice que “han visto mundo”. Nacido en Filadelfia, sirvió a bordo de un bombardero B-24 durante la Segunda Guerra Mundial, estudió pintura, escultura, fotografía y cinematografía en la Universidad del sur de California, hizo películas para la USIS (1) en África y Oriente Medio y luego dirigió numerosos documentales.

-IRVING KERSHNER-

-Hice un film por semana durante tres años. Y eso incluía el rodaje, el montaje y todo lo demás. Fue una experiencia muy importante.

Kersh pasó entonces a los largometrajes, y dirigió Los Ojos de Laura Mars, El Retorno del Hombre Llamado Caballo y una cinta de la televisión llamada Raid sobre Entebbe, entre otras.

Nos citamos en la nueva casa de Kershner en un pueblecito al norte de San Francisco. Kersh habla con mucha deliberación y va directamente al grano, repitiendo frases para dar más énfasis, gesticulando en el aire con su cigarro. Es un hombre al que disgustan las pretensiones y la emotividad fingida, un experto hombre de cine que tiene un punto de vista muy definido.

Para empezar, le dije que no parecía ser el director más adecuado para una cinta tal como El Imperio Contraataca.

-Todo el mundo me lo dice, así que debe de ser cierto–reconoce- Y también tendría que añadir que todo el mundo me dice que, por consiguiente, no debe de ser cierto.

-¿Cuál diría que es su estilo y forma de hacer las cosas como director?

-Odio hacer las cosas solo con el fin de que parezcan bonitas. Me gusta poner todo al servicio de comunicar una historia, así que tiendo a mostrarme muy parco en mis rodajes. Creo que a veces me paso de parco. Las sorpresas ocurren cuando se empieza a montar la película. Uno descubre que puede cambiar bastante la historia en el montaje, que no es más que un proceso de barajar los distintos trozos de película que ha rodado.

-¿Cómo empieza usted a filmar una película como El Imperio?

-Empiezo con las emociones. Luego paso a los elementos que componen el relato y acabo con la emoción. Creo que eso es lo que entra en el conjunto de una película.

-STORYBOARD A CARGO DE NILO RODIS-JAMERO-

“Me gusta contar una historia y me imagino que soy un narrador que se sienta en un pueblo y cuenta cosas a un grupo de gente. Vi como hacían eso en los pueblos de Irán: se sientan en la plaza del pueblo y los niños y adultos se sientan alrededor. Y cuentan su relato durante horas y horas. La gente se levanta, se va y se vuelve, llega gente nueva, se sienta y entra en el relato en cualquier momento y quedan absortos por la historia. Dramatizan su relato, han encontrado una forma para comunicarse con el pueblo. El pueblo los acepta encantado.

“La ventaja que tenían esos narradores es que veían una respuesta de su público. Veían cuando reían o cuando se estaban aburriendo y entonces frenaban la acción, o contaban algo divertido, o hacían que se les quebrase la voz. Siempre había algo nuevo que podían hacer para lograr su interés y para volver a atraer a los que lo habían perdido.

“En una película uno no puede permitirse ese lujo. Uno cuenta su historia y no puede hacer ninguna prueba sobre la reacción del público, porque el guión no es la película. Lo que uno rueda no es el film hasta que lo ha juntado todo y sigue sin serlo hasta que lo ha visto una audiencia y esta responde o no.

-RALPH MCQUARRIE-

“A menudo la respuesta está basada en lo que corre de boca en boca, en la publicidad, en la imagen que tiene esa película determinada, en si están preparados para ella o no en ese momento.

-Tiene usted fama de que disfruta trabajando con sus actores ¿Le resultó fácil con las estrellas de El Imperio?

-A veces era demasiado fácil, porque tenían la sensación de que era algo que ya habían hecho. Así que uno tenía que encontrar otras cosas que explorar, cosas que no hubieran tenido la oportunidad de explorar en la primera película.

“Nunca había visto a Chewie perder la paciencia, ni le había visto totalmente frustrado. ¿Cómo se frustra un wookie? Encontramos el modo.

“También descubrimos que en la película se produce un romance y traté de darle todo el relieve posible, e incluso de mostrar la otra cara del mismo, los antagonismos que surgen cuando un romance no llega a su conclusión lógica.

-Pero debe haber sido muy difícil mezclar los efectos con los actores para crear el film en su totalidad, ¿no?

-RALPH MCQUARRIE-

-Es algo muy difícil y los actores lo notan a menudo. En el modo en que actúa un actor o incluso en lo que dice se puede lograr una gran flexibilidad. Es la interpretación de la palabra escrita, una interpretación que puede variar mucho. Pero en los efectos especiales no existe flexibilidad ninguna. La cámara ha de estar a unos treinta centímetros del suelo y tiene que estar apuntada en un cierto ángulo. Tiene que llevar una determinada lente. Uno está atado de pies y manos y, a menudo, la cámara no puede moverse. Todo ha sido meses antes rigurosamente planeado.

-Rememorando ahora la experiencia, ¿Qué opina de todo lo que ha sucedido?

-RALPH MCQUARRIE-

-Me parece como si nunca hubiera hecho esa película. Eso es en lo primero que pienso. Es como una historia que hubiera leído. Quiero decir que el trabajo fue tremendamente difícil. Durante muchos, muchos meses, trabajé seis o siete días a la semana. Miro hacia tras y es como un sueño agradable y una pesadilla.

“Un sueño agradable porque trabajé con gente interesante y me gustó estar en Londres. Una pesadilla a causa de las frustraciones y las cosas que no marchaban. Corriendo todo el tiempo y teniendo que hacer cosas que normalmente no haría. Pero tiene que haber un límite en lo que cuesta una película. Si uno pudiera gastarse 100 millones de dólares en lograr que una película saliera hermosa, bastaría con rodar una y otra vez. Pero de lo que se trata es de conseguirlo gastando el mínimo de dinero posible porque a pesar de todo va a ser mucho dinero y es una apuesta que no se sabe que resultado va a tener.

-Para acabar. La primera película cautivó a una enorme cantidad de público ¿Se da usted cuenta de las expectaciones de esa gente?

-BESPIN por JOE JOHNSTON-

-Vi que los personajes eran todos fuertes, arquetipos que han pasado a formar parte de la mitología cultural, al menos en las masas de nuestro tiempo, educadas en el cine y los comics. Desde luego los chicos aman a estos personajes y yo nunca pierdo de vista a los niños. Quise que les gustase, que la disfrutasen y la comprendiesen.(2)

(1) USIS: United States Information Service.

(2) Dentro de la filmografía de este director podemos nombrar a Victoria en Entebbe (1977), Los Ojos de Laura Mars (1978), 007: Nunca Digas Nunca Jamás (1983), Robocop 2 (1990) y la serie Seaquest DSV (1993). Kershner falleció el 27 de noviembre de 2010.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

BESPIN - CIUDAD DE LAS NUBES

-RALPH MCQUARRIE-

-JOE JOHNSTON-

-NORMAN REYNOLDS-

BIPOD CAR
-RALPH MCQUARRIE-

-JOE JOHNSTON-

LANDO CALRISIAN
-RALPH MCQUARRIE-

SLAVE I
-JOE JOHNSTON-

-NILO RODIS-JAMERO-

ENFRENTAMIENTO DARTH VADER Y LUKE SKYWALKER
-RALPH MCQUARRIE-

FRAGATA MÉDICA
-RALPH MCQUARRIE-

-NILO RODIS-JAMERO-

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FANTABAIRES: VISIONES PELIGROSAS DE UN GLORIOSO PASADO

May 5, 2013, 9:23 am

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“Y tuve una extraña visión…

-De Izq. a Der.: Neil Gaiman, Alan Grant
y Robin Wood... firmas incluidas-

“En un gran salón pude ver a los superhéroes alternando con estrambóticos monstruos siderales, bife de chorizo por medio… seres humanos deambulando como Zombies, cargados de cientos de revistas de historietas y posters listos para ser autografiados… naves galácticas de plástico barato surcando el cosmos en las pantallas de cine, mientras cientos de personas se reían y comían pochoclo… señores con traje y corbata intercambiando figus difíciles, sin avergonzarse para nada... hermosas ninfas adolescentes disfrazadas de sensuales personajes del anime o el manga.

.-Dave Gibbons y quien les escribe-

"Todo eso parecía imposible. Eran nada menos que las extrañas visiones de un loco.

"Pero una Treker que se encontraba a mi lado (muy linda y muy fanática, de la cual apenas quiero acordarme) me pellizcó y desperté de mi ensoñación. Asombrado, comprobé que esas visiones no eran tales, pues se trataba de una increíble realidad.

"Y esa realidad se llamaba Fantabaires"

Fantabaires significó todo un evento socio-cultural de fines de los años 90, ya que por fin todos aquellos que amaban los comics, el cine clase B y el coleccionismo enfermizo podían juntarse para intercambiar ideas, creatividad y también locura.

-John Cassady (izq.) y Humberto Ramos (der.)-

A lo largo de las diferentes entregas (que fueron celebrados en diferentes lugares como el Centro Cultural Borges, la Sociedad Rural de Palermo y el Centro Municipal de Exposiciones) tuvimos el privilegio de conocer a grandes creadores nacionales e internacionales que, con su sencillez (o no), deslumbraron a las inquietas masas de fans que iban pululando por allí.

Los eternos vaivenes económicos de nuestro sufrido país y los pésimos manejos por parte de los organizadores fueron transformando a Fantabaires en una suerte de burdo acto comercial sin el más mínimo sentido y carente de la magia que había sabido tener. Víctima de todo ello, terminaría muriendo de tedio en un predio cercano a la estación de Retiro allá por el año 2002.

-Carlos Meglia (izq.) y Alan Grant (der.)-

En esos cuatro gloriosos años de existencia numerosos fueron los visitantes ilustres que engalanaron este gran evento. Entre ellos puedo nombrar a Adam West (el entrañable Batman de los años 60), William Shatner(el capitán Kirk de la afamada serie Star Trek), Neil Gaiman, Alan Grant, Denny O´Neill, Dave Gibbons, Carlos Pacheco, Devin Grayson, Mark Waid, Peter David, Frank Gorshing, Quique Alcatena, Los Titanes en el Ring (El Mercenario Joe, William Boo y El Caballero Rojo), Francisco Solano López, Jerry Robinson, Ciruelo, Humberto Ramos, Phil Jimenez, John Cassady, Jim Starlin, Eduardo Barreto, Robin Wood y Carlos Meglia.

Hoy tan solo nos quedan los gratos recuerdos de esos tiempos en que el dólar valía uno a uno con el peso argentino y los comics (como los euros de Fariña) se podían comprar por kilo. Esos recuerdos y también unos cuantos dibujos y revistas, firmados por varios dibujantes y guionistas nacionales e importados, los cuales se transformaron en un auténtico motivo de orgullo para la colección que obra en mi poder.

Como Image(i)narte: el arte de la imaginación es un blog de ilustraciones pongo ante ustedes aquellos dibujos que, con paciencia y corriendo de un lado para el otro, fui consiguiendo a lo largo de esos maravillosos años en el cual los comics habían dejado de ser solamente para chicos.

Espero que los disfruten.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

-Galería de arte de mi casa en donde se pueden ver todos los dibujos que me hicieron a lo largo de las diferentes ediciones de Fantabaires, Como dato extra los dibujos de Mafalda que se encuentran a la derecha son slides de filmación originales de los primeros dibujos animados que se hicieron sobre el personaje-

MARIANO NAVARRO

Gran fan de los míticos Titanes en el Ring de Martin Karadagian, Mariano Navarro se encargó de transformar a uno de los personajes del programa de televisión en un superhéroe netamente argentino.

Ese héroe fue El Caballero Rojo.

Entre otros trabajos podemos citar su paso por Image, con una serie conocida como Descent, y en la publicación nacional llamada Comic.ar.

CARLOS MEGLIA

El creador de Cybersix (lamentablemente fallecido en el año 2008) puso todo su talento y estilo único (más emparentado al dibujo animado que a la historieta en si) en dibujar para toda una tribu de fans que se hizo presente en la convención.

Entre sus creaciones podemos nombrar a El Libro de Gabriel, Irish Cofee, Tarzan/Superman: Sons of the Jungle, Superman: Infinite City y, por supuesto Cybersix, la cual ha tenido varias adaptaciones en la pantalla chica… incluido el robo realizado por James Cameron con la serie Dark Angel.

Mientras me hacia el dibujo que se encuentra aquí abajo, me contó que si bien había tenido el juicio a favor, debía poner mucha plata en abogados para llevar la demanda a buen término.

CIRUELO CABRAL

Hablar de Ciruelo es hablar de dragones y el mítico universo que rodea a estas fantásticas criaturas. Portadas de libros, tapas de discos, posters, libros de ilustraciones… nada escapó a su magnífico trazo, en donde la realidad y la fantasía se amalgaman de manera magistral.

Prueba de ello es el sencillo dibujo (¡y que dibujo!) que me realizó en apenas unos pocos minutos.

HUMBERTO RAMOS

La buena onda nos llegó del país mexicano de la mano de este particular dibujante. Luego de un casi desconocido inicio en su tierra natal, Ramos cruzó el Río Grande para aterrizar en el omnipresente mercado comiquero norteamericano.

Gracias a la ayuda de John Bogdanove y Walt Simonsoncomenzó a ilustrar algunos títulos de la desaparecida línea Milestone. Más tarde entraría en DC, encargándose de ilustrar a Superboy y su mayor éxito: Impulse.

Posteriormente dibujaría X-Nation 2099 (Marvel), DV8 y Gen 13 (Wildstorm), Ash (Event Comics), Crimson (una creación propia para la línea Cliffhanger de DC/Wildstorm), Young Justice (DC), The Amazing Spider-Man, The Avenger: The Iniciative y Supermen of America.

El Impulse de cuerpo entero que pueden ver a continuación, me lo hizo especialmente a pedido y con toda la buena onda, a pesar de estar ya agotado de tantos dibujos que había hecho hasta ese momento.

EDUARDO BARRETO

Otro grande que se nos fue hace apenas un par de años. Entre sus muchos aportes al universo comiquero podemos nombrar a Superman: Speeding Bullets, Justice League Quaterly, Atari Force y New Teen Titans.

El Superman que me dibujó, además de la buena onda que puso al hacerlo, son los más gratos recuerdos que tengo de él.

EDUARDO MAICAS

Este ilustrador argentino, que se burló de mí al verme en Fantabaires y no alentando al Boca Junior de mis amores (que ese día se enfrentaba nada menos que con River Plate), viene trabajando en el medio desde la década del 70 en revistas como Patoruzú, El Ratón de Occidente, Tía Vicenta, Humor, Sex Humor y Página 12.

… como era de esperar, ese día Boquita ganó el partido.

QUIQUE ALCATENA

Hago una mención aparte de este magnífico dibujante no porque sea una novedad el haberlo tenido en Fantabaires, ya que es un asiduo concurrente de cuanta muestra pueda haber en nuestro país, sino por su buena predisposición y sencillez a la hora de tratar con los fans.

Sus trabajos, caracterizados por un muy particular trazo, supieron deslumbrarnos con hermosas obras de gran valor estético ya sea en nuestro país (Caos Comic, La Fortaleza Móvil, El Mago, Travesía por el Laberinto y Metallum Terra) como en el exterior (Los Cuatro Fantásticos, Batman, Conan y una gran cantidad de material editado en Europa).

Particularmente me siento más que orgulloso de poder llamarlo mi amigo (a pesar de vernos bastante poco). Incluso me llegó a sorprender en la edición 1999 de Fantabaires al regalarme un original de una de sus historietas (Esquizopolis) en donde aparecían los personajes de la serie Caos Comic.

-Foto sacada con un celular del original que Quique me regalara, en la parte superior derecha puede llegar a verse su dedicatoria-

-Martian Manhunter. La mala calidad de la imgen escaneada se debe a que el mismo está
enmarcado con un vidrio que dificulta la claridad de imagen (... y por supuesto no voy a desarmarlo para poder hacerlo mejor)

Si desean ver otras imágenes (de mejor calidad del maestro Alcatena pinchen aqui

JIM STARLIN

Lo que puedo decir de este dibujante y guionista es que parte de mi juventud creció con sus historias, casi siempre a escala cósmica, que a cuentagotas iban cayendo en mis manos.

Este creador, claramente influenciado por la labor de Jack Kirby, tuvo sus contactos en el mundo del comic en revistas como Amazing Spider-Man, Batman, Capitán Marvel, Dreadstar, Warlock y la Guardia del Infinito, Silver Surfer y Action Comics o en miniseries y especiales como Odisea Cósmica, Batman: The Cult, Gilgamesh, The Weird, La Cruzada del Infinito y Thanos Quest.

Pero, antes que toda su vasta obra, Jim Starlin se hizo mucho más famoso por haber perpetrado dos crímenes que repercutieron enormemente en el mundo de los comics. El primero de ellos fue el deceso del Capitán Mar-Vell (superhéroe de Marvel Comics), víctima de un cáncer, en el especial La Muerte del Capitán Marvel (en donde hizo llorar hasta las piedras). El otro fiambre fue nada más ni nada menos que el segundo chico maravilla, conocido como Jason Todd, hecho acontecido durante la saga conocida como Una Muerte en la Familia. En ella, un Joker salvaje mutilará y asesinará a este Robin, un cruel deceso que desencadenará toda una serie de eventos futuros en la historia del hombre murciélago.

Del gran Jim obtuve este dibujo de Thanos, el oscuro dios loco que es una suerte de copia Marvel del Darkseid creado por Kirby para la Editorial DC.

CHRIS SPROUSE

Este dibujante inicio su labor profesional en 1989, trabajando para la Editorial DC en la serie Hammerlocke. Este comic le permitió dibujar otros títulos de la casa como Batman, Justice League Quaterly,La legión de Superhéroes y Legionarios. También incursionaría en la Marvel (X-Meny Spider-Man) e Image (Young Blood).

Sprouse sería mejor conocido por dibujar a Tom Strong, la magnífica creación que el talentoso Alan Moore publicara para el sello America´s Best Comics. En sus páginas vuelve a rescatarse el comic de aventuras y ciencia ficción, al mejor estilo de las novelas pulp de las décadas del 30 y 40.

LUIS GARCIA DURAN

Casi un desconocido en nuestro país , aun después de su muerte acaecida en 2010, García Duran supo trabajar con grandes editoriales del extranjero como Fleetway (Inglaterra) y Charlton EE.UU.) y nacionales como Columba y Record.

Entre sus trabajos en Argentina se destacan Aquí, La Legión y Villa Caraza Blues.

PHIL JIMENEZ

Sin ser inicialmente un fan de los comics, este dibujante se ha perfilado como uno de los grandes ilustradores de finales del siglo XX. Con claras influencias de George Pérez, poco a poco fue definiendo su estilo, en donde prima la belleza de la figura humana y en especial la femenina.

Su carrera profesional dio inicio en la Editorial DC, como dibujante y guionista de Teen Titans (que lamentablemente lo marcó con el estigma de ser un clon de George Pérez) para luego realizar trabajos más personales con Robin, Swamp Thing, Lobo, The Invisibles, JLA/Titans y Wonder Woman (en donde se encargó tanto de los guiones como de los dibujos).

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RAY HARRYHAUSEN: EL ANIMADOR ILUSTRADO

May 17, 2013, 7:20 pm

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Nacido el 29 de junio de 1920, Ray Harryhausen manifestó desde muy pequeño su gran pasión por los dinosaurios y la fantasía.

Sus padres, lejos de sentirse asustados o preocupados por tan “inútil” fascinación, alimentaron ese espíritu imaginativo llevándolo a ver películas, al teatro y al Museo de Historia Natural de Los Angeles, en donde conoció el arte pictórico de Charles R. Knight.

Fue en las salas de cine en que tendría la oportunidad de ver las dos películas fundamentales que se encargarían de definir todo su futuro: El Mundo Perdido (1925) y King Kong (1933), cuyos sensacionales efectos especiales de animación habían estado a cargo de Willis O´Brien. Intrigado por el increíble realismo de las escenas de dinosaurios que eran presentados en dichos filmes, Ray se dedicó con ahínco a investigar como habían sido realizadas.

Sus primeros trabajos caseros fueron realizados con marionetas de dinosaurios, hasta que tuvo la oportunidad de descubrir la técnica cinematográfica conocida como Stop-Motion (animación cuadro por cuadro). Con una cámara Victor de 16 mm, y posteriormente una Kodak Cine II, comenzó el rodaje de películas experimentales en el garaje de su casa.

Por esos tiempos conocería a dos personas que resultarían de gran importancia para su futura vida profesional. Uno de ellos fue Forrest J. Ackerman (1916-2008), destacado coleccionista que fuera creador de la mítica Vampirella y la revista Famous Monsters of Filmland. El otro fue el célebre escritor de ciencia ficción Ray Bradbury, creador de clásicos como Crónicas Marcianas, Fahrenheit 451 y El Hombre Ilustrado.

-DISEÑOS PARA UN PROYECTO JAMÁS REALIZADO: THE ETERNALS-

Pero su verdadera entrada en el mundo del Stop-Motion fue con aquel creador que se había encargado de encender la chispa de su imaginación: Willis O´Brien. Este, al ver su incipiente obra, le aconsejó mejorar sus técnicas en lo referente a la anatomía, por lo que Harryhausen comenzó a estudiar arte y anatomía en Los Angeles City College, así como también dirección artística, montaje y fotografía.

-YMIR DE 20 MILLONES DE MILLAS DE LA TIERRA-

A principios de la década del 40, comenzó a trabajar junto a George Pal (1908-1980) en una serie de animación llamada Puppetooms. Posteriormente, durante la Segunda Guerra Mundial, realizó películas de carácter orientativo o propagandística, como lo fueron How to Bridge a George, Why We Flight y Guadalcanal.

En 1946, una vez que fue licenciado del ejército, comenzó a producir sus propias creaciones. Las mismas fueron una serie de cortos animados inspirados en canciones infantiles, las cuales fueron agrupadas bajo el título de The Mother Goose Stories, las cuales fueron distribuidas de manera exitosa en los colegios.

-ESQUELETOS VIVIENTES DE JASON Y LOS ARGONAUTAS-

Luego de terminar este trabajo, fue contactado por Merian C. Cooper y Willis O´Brien para realizar una película sobre un simio gigante llamado Joe Young, en un intento por volver a explotar el éxito que había tenido King Kong.

Junto a O´Brien, Harryhausen trabajó en varios proyectos (Valley of the Mist y War of the World) que, lamentablemente, quedaron truncos. También se encargó de realizar una serie de adaptaciones de cuentos de hadas famosos, como Caperucita Roja, Hansel y Gretel, Rapunzel, La Tortuga y la Liebre, que tuvieron gran éxito cuando fueron exhibidos en las escuelas.

Pero la entrada por la puerta grande de este gran animador no sucedería hasta 1952 en que trajo desde los abismos del tiempo mismo al apócrifo Rhedosaurus que haría su debut en la película El Monstruo de Tiempos Remotos (The Beast From 20.000 Fathoms).

El resto es parte de la historia del cine.

-DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA CONOCIDA COMO DYNAMATION-

Fuentes de información
-Blog de Ray Harryhausen http://rayharryhausenblog.blogspot.com.ar
-Colossa http://colossa.blogspot.com.ar/
-Wikipedia: enciclopedia libre

-GALERÍA DE IMÁGENES-

Ray Harryhausen no solamente fue un gran artista del Stop-Motion, sino que también fue un destacado ilustrador de sus propios trabajos.

Las ilustraciones que verán a continuación corresponden a los trabajos de pre-producción y storyboards correspondientes a sus películas más famosas y a algunos proyectos que lamentablemente no prosperaron.

-EL GRAN GORILA (Mighty Joe Young -1949-)-

A pesar de haber sido Willis O´Brien quien recibiera un Oscar por esta película, el joven Ray fue quien estuvo encargado de la preproducción y de casi el 90 % de los trabajos de animación que fueron llevados a cabo.

-EL MONSTRUO DE TIEMPOS REMOTOS (The Beast From 20.000 Fathoms -1952-)-

Titulado originalmente como The Monsters From Under the Sea, el cuento corto escrito por su amigo Ray Bradbury en 1951 se transformó en el primer largometraje en el cual Ray Harryhausen pudo desarrollar sus conocimientos de la animación cuadro por cuadro.

Para el mismo, Ray crearía la técnica que sería conocida como Dynamation (este nombre le seria dado varios años después de su creación), en donde se trabajaba con una doble imagen (una correspondiente a los efectos de animación y la pintura mate y la otra a la filmación con actores reales) que era unida de tal manera que ambas interactuaban una con otra.

El Monstruo de Tiempos Remotos se transformaría en el padre de todos los monstruos pisamaquetas despertados o mutados por el uso indebido de la energía atómica (entre los que se incluyen arañas, hormigas, dinosaurios, lagartos y también ¡mujeres!)… entre ellos el mismísimo Godzilla, el rey de los monstruos.

-SURGIO DEL FONDO DEL MAR (It Came From Beneath the Sea -1955-)-

Debido a problemas de presupuesto, el pulpo construido por Harryhausen tenía tan solo seis tentáculos. Fue por ello que una parte del mismo siempre se encontraba sumergido en el agua.

También se encargó de construir, utilizando un armazón envuelto en algodón, tres tentáculos que fueron utilizados para los primeros planos.

-LA TIERRA CONTRA LOS PLATILLOS VOLADORES (Earth vs. Flyng Saucers -1956-)-

Los siete platos voladores diseñados por Harryhausen, que respondían a los cánones típicos que se tenían sobre esos tiempos sobre las naves extraterrestres, fueron construidos por el padre de Ray con aluminio que posteriormente fue anodizado para darle un acabado mate.

-20 MILLONES DE MILLAS DE LA TIERRA (20 Million Miles to Earth -1957-)-

En un principio, esta película se iba a llamar The Cyclops (ver los dibujos comparativos que se encuentran más abajo) y se iba a desarrollar en la ciudad de Chicago pero, con el cambio del título, terminó siendo en Italia.

La criatura, nombrada luego de ser estrenada la película como Ymir, era un modelo de 50 centímetros que, debido al hecho de haber sido usado en otras producciones, actualmente no existe ningún modelo. Aparte de esta criatura, Harryhausen animó el cohete espacial que se estrella en las costas italianas y el elefante al cual se enfrenta Ymir en el zoológico de Roma.

-EL SEPTIMO VIAJE DE SIMBAD (The 7th Voyage of Sinbad -1958-)-

Inspirándose en las historias de Las Mil y Una Noches, Ray escribió una versión llamada Sinbad the Sailor y dibujó una serie de ilustraciones, entre las que se incluía la mítica escena de la lucha contra el esqueleto. Por desgracia muchas de las ideas presentes en los dibujos fueron descartadas posteriormente.

Este fue el primer film del maestro que fue realizado en color, un adelanto tecnológico que Ray detestaba ya que se hacían muy notorias las diferencias entre las escenas reales y las correspondiente a los efectos.

El modelo del esqueleto sería usado posteriormente en Jason y los Argonautas.

-LA ISLA MISTERIOSA (Misterious Island -1960-)-

Luego del gran éxito obtenido por los Estudios Disney tras el estreno de la versión cinematográfica de la novela de Julio Verne, 20.000 Leguas de Viaje Submarino, Ray se hallaba más que preparado para llevar a la pantalla alguna de las obras de uno de sus autores favoritos.

La misma fue justamente la continuación de la anterior, conocida como La Isla Misteriosa. En ella, un grupo de náufragos arribaba a una isla en donde se encontraba escondido el Nautilus y el famoso Capitán Memo.

A diferencia de la novela original, habitada por fieras comunes, la isla se hallaba ocupada de animales sobredimensionados y sumamente peligrosos. Entre ellos se encontraba un cangrejo gigante, el cual constaba de un armazón flexible que se hallaba recubierto por el caparazón de un cangrejo real.

Tan vividos eran sus movimientos, que mucha gente llegó a creer (cosa que frustraba hondamente a Harryhausen) que se trataba de un animal vivo que había sido agrandado mediante sobrexposición de imágenes.

-JASON Y LOS ARGONAUTAS (Jason and the Argonauts -1963-)-

Este film está considerado por muchos como la película fundamental del género fantástico, a pesar de haber sido un fracaso de taquilla en el momento de su estreno.

En ella Harryhausen se introdujo en uno de sus temas favoritos: la mitología greco-romana, trayéndonos a la vida una serie de notables criaturas (Talos, la Hidra y la notable batalla con los esqueletos) que aun hoy perduran en nuestros corazones.

-LOS PRIMEROS HOMBRES EN LA LUNA (First Men in the Moon -1964-)-

Esta adaptación de la novela homónima de H. G. Wells es, por lo menos para mi gusto, la película más floja de Harryhausen.

A pesar de su argumento, una extraña mezcla entre dicha historia y La Guerra de los Mundos, los efectos especiales son notables y se dejan ver con cariño.

-UN MILLON DE AÑOS ANTES DE CRISTO (One Million Years B.C. -1966-)-

Los estudios cinematográficos ingleses de la Hammer decidieron producir una remake de la versión cinematográfica de 1940: Un Millón de Años Antes de Cristo y para ello decidieron utilizar las buenas artes del maestro Harryhausen para que realizara la animación de varias de las criaturas prehistóricas que iban a hacer su aparición en la misma.

Ni hablar que la misma, junto a la bella Raquel Welch, se ha transformado en todo un mito del cine prehistórico (si querés saber algo mas de esta película pincha aquí).

-EL VALLE DE GWANGI (The Valley of Gwangi -1969-)-

Sin duda alguna mi película favorita y la primera que tuve la oportunidad de verla en el cine.
La misma se basaba en una idea original de Willis O´Brien, llamada The Valley Where Time Stood Still, la cual jamás pudo llevar a término. El tema fue retomado por Harryhausen en esta suerte de westernsuario.

En las escenas en que los vaqueros enlazan al Allosaurio, Ray utilizó un palo con la cabeza del monstruo que se hallaba colocado en su parte trasera de un jeep. Posteriormente, colocaba el modelo enfrente al mismo, animando tanto a este como a las cuerdas para que estas correspondieran con la acción real.

-EL VIAJE FANTÁSTICO DE SIMBAD (The Golden Voyage of Sinbad-1973-)-

Gracias al éxito obtenido por la anterior producción, Harryhausen decidió volver a la tierra de Las Mil y una Noches y su protagonista Simbad el marino, para lo cual escribió una extensa saga que terminaría transformándose en dos films.

-SIMBAD Y EL OJO DEL TIGRE (Sinbad and the Eye of Tiger-1977-)-

Última entrega de la saga de Simbad que, junto con la anterior, tuve la oportunidad de ver en un cine de barrio que tenía una doble función (¡Goce total!)

-FURIA DE TITANES (Clash of Titans -1981-)-

Ultimo gran trabajo de Harryhausen en la pantalla grande, en donde haría su presentación una de las criaturas más míticas del vasto catálogo nacido de su increíble ingenio creativo.

La Gorgona Medusa, junto al reptil venusino Ymir, el allosaurio Gwangi y los esqueletos vivientes, se transformaron en auténticos iconos del Stop Motion.

Para su animación, tanto el primer plano como el general, fue utilizada una única figura y es sumamente destacable el juego de luces y sombras utilizadas a lo largo de las escenas en que el héroe Perseo se enfrenta a la mortal criatura.

-PROYECTOS PERDIDOS-

LA GUERRA DE LOS MUNDOS

Entre los proyectos truncos encarados por Ray Harryhausen figura la adaptación cinematográfica de La Guerra de los Mundos de H. G. Wells.

En 1942, y luego de haber leído la novela, Ray realizó una serie de dibujos en donde representaba algunas escenas de la misma.

Si bien lo presentó a varios productores, entre las que se incluía el mismísimo George Pal, estos consideraron que la realización de ese tipo de película era sumamente costosa y probablemente estaría condenada al fracaso. Finalmente, Harryhausen terminaría descartando este proyecto junto a la idea de llevar a la pantalla El Alimento de los Dioses escrita por el mismo autor.

Extrañamente, poco tiempo después de que le fueran mostrados esos dibujos, Pal produjo su propia versión de La Guerra de los Mundos la cual terminó generando grandes ganancias de taquilla (¡ejem!).

OTROS PROYECTOS

Muchos fueron las ideas y proyectos que fueron pergeñados por la prolífica imaginación de Ray Harryhausen.

Una de ellas fue The Valley of the Mist (1950), cuyas ideas que pasarían mas tarde a formar parte de El Valle de Gwangi, The Elementals (1952) y El Alimento de los Dioses (1949).

Luego de realizar Furia de Titanes, Ray Harryhausen se embarcó en una serie de proyectos que tampoco llegarían a buen término. Entre ellas podemos nombrar a Sinbad and the 7 Wonders of the World (1981), Sinbad on Mars (1982), People of the Mist (1983) y Force of the Trojans (1984) una suerte de secuela de Furia de Titanes.

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"BERNI" WRIGHTSON: EL CORAZÓN DE LAS TINIEBLAS

May 29, 2013, 6:39 pm

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En un cementerio sombrío,

un sepulturero de feroz mirada

ve correr la sangre roja

que cual agua moja

los cadáveres podridos,

cuyos cráneos son roídos

por las ratas asquerosas.

Antigua canción infantil

Los relatos de terror forman parte indisoluble de nuestras existencias.

A pesar de que nuestros corazones puedan latir de manera apresurada y nuestros cuerpos se estremezcan ante esos relatos de horrible factura, aun así continuamos escuchando embelesados cada una de las palabras que se van desgranando alrededor de lo que nos es narrado.

Siniestros vampiros. Horribles zombis. Salvajes hombres lobo. Brutales asesinos seriales. Oscuros demonios. Maléficas brujas. Espantosas criaturas innominadas. Todas ellas conforman un espeluznante ejército que se desplaza por los oscuros vericuetos de nuestras afiebradas imaginaciones y campan a sus anchas en cada oscuro rincón de nuestros hogares, cuando la noche es dueña y señora de nuestras existencias.

En el campo de la ilustración, hubo muchos que supieron plasmar en hojas de papel esos temores que aquejan a la humanidad toda. Pero hubo uno de ellos cuyo ominoso arte nos estremece, al deleitarnos con cada ominosa sombra que fuera creada por sus lápices, tintas o acuarelas.

Su creatividad se ha encargado de mostrarnos las profundas oscuridades que anidan en nuestras retorcidas almas y en nuestras pesadillas más atroces. Sus ilustraciones nos muestran, con terrible crudeza, el mismísimo corazón de las tinieblas.

Su nombre mortal es "Bernie" Wrightson.

Bernard Albert Wrightson, nacido el 27 de octubre de 1948 en Baltimore (Maryland EE. UU.), estudio dibujo por correspondencia de The Famous Artist School, demostrando desde temprana edad su pasión por el dibujo. Sus contactos con el mundo del comic se iniciaron a partir de la lectura de las revistas editados por EC Comics, siendo sus autores preferidos Frank Frazetta y Graham Ingels.

Su primer trabajo profesional fue una historia de terror aparecida en la revista de DC Comics:House of Mystery Nº 179 (Marzo-Abril de 1969). Posteriormente trabajaría en otros títulos de similar factura no solo para DC, sino que también lo haría para Marvel Comics y Warren Publishing.

Pero su mayor logro, que se encargaría de encumbrarlo entre los grandes del universo comiquero, llegaría en la década del 70 cuando, junto a Len Wein, creo a una extraña y patética criatura que seria conocida como Swamp Thing/La Cosa del Pantano (House of Secrets Nº 92–julio 1971) una historia unitaria que más tarde pasaría a transformarse en serie al año siguiente.

Hablar de la vasta obra de Wrightson, tanto en el terreno del terror, la ciencia ficción o lo superheroico, sería poco menos que imposible de describir en tan poco espacio (sobre todo si tenemos en cuenta que se trata de un blog dedicado básicamente a la ilustración), pero basta decirles que ningún personaje o género quedó de lado.

Entre la multitud de títulos realizados, podemos citar:-

-Batman: The Cult (1988)

-Batman: Nevermore(2003)

-Heroes Against Hunger (1986)

-House of Mystery(1969-1978)

-House of Secrets (1971-1976)

-Secret of Haunted House (1975-1982)

-Swamp Thing (1972)

-Tales of the Unexpected (2007)

-The Weird (1988)

-Weird Mystery Tales(1972-1975)

-Batman/Aliens (1997)

-Chambers of Darkness(1970)

-Dreadstar (1983)

-Epic Illustrated(1984-1986)

-Marvel Graphic Novel Spiderman: Hooky (1986)

-Punisher: Purgatory (1998)

-Punisher P. O. V.(1991)

-Creepy (1974-1978)

-Eerie (1974-1976)

-Vampirella (1974-1977)

-Berni Wrightson: Master of the Macabre

-Captain Stern: Running Out of Time

-Creepshow trade paperback

-Frankenstein Monster

-Tarzan Le Monstre

-The National Lampoon Encyclopedia of Humor (1973)

-Heavy Metal

-Berni Wrightson Frankenstein (1983)

-Cycle of the Werewolf de Stephen King (1985)

El portal hacia los profundos abismos de las tinieblas que moran en el interior del gran “Bernie” está abierto. Tan solo depende de ti el sumergirte en ese reino de locura y espanto, donde las sombras cobran vida y pueden destruir tu carne… o tu propia alma.

El negro corazón de las tinieblas está aguardando por ti, incauto viajero.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

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DIBUJANTES DE ACERO (1º vuelo)

June 6, 2013, 7:24 pm

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“¡Arriba en el cielo! ¡Es un ave! ¡Es un avión! ¡No, es Superman”

EMISIÓN RADIAL DE LAS AVENTURAS DE SUPERMAN

Si bien esta frase pertenece a un medio totalmente diferente al de los comics, aquellos que llegamos a escucharla no podemos evitar sustraernos de recordar a un gran personaje, sin cuya existencia el género superheroico jamás hubiera llegado a ser.

-CURT SWAN-

Estamos hablando, por supuesto, del poderoso hijo de Krypton… el invencible hombre de acero… el valiente hombre del mañana…

Estamos hablando de Superman.

Con motivo del casi inminente estreno de la nueva película del personaje a cargo del director Zack Snyder (300 y Watchmen) y el productor Christopher Nowlan (la magnífica trilogía de Batman), me propuse hacer una suerte de recorrido histórico artístico de este auténtico icono socio cultural que supo perdurar a los largo de 75 años transcurridos desde su creación.

A lo largo de este mes, tendremos la oportunidad de ver los dibujos de aquellos creadores (por lo menos a mi entender) que le dieron una impronta única, o por lo menbos interesante, a la fascinante creación de dos jóvenes imberbes deseosos de mostrar todo el talento del cual eran capaces.

Así que, amigos míos, vuelvan a transformarse en ese niño que alguna vez fueron, colóquense una remera azul, pónganse una sábana en sus espaldas… y sueñen con que pueden volar más y más arriba hacia el cielo azul.

-MIKE DEODATO-

-GALERÍA DE IMÁGENES-

JOE SHUSTER (1914-1992)

Hablar de este dibujante es hablar del origen mismo del género superheroico. En 1938, junto a Jerry Siegel crearían a un héroe totalmente diferente a los que se venían creando hasta ese momento. Un hombre con poderes más allá de lo humano, los cuales son usados para combatir a todas las formas del mal.

El héroe en cuestión fue, por supuesto, Superman.

Nacido en Toronto, Ontario se trasladó a la edad de 10 años a Cleveland, Ohio, donde conocería a quien se transformaría en el futuro en su co-creador. Unidos por las mismas pasiones, comenzarían a trabajar para National Allied Publications en la revista New Fun, en donde publicaron Henry Duval y un justiciero enmascarado llamado Doctor Oculto.

Basándose en ideas previas que no habían tenido el éxito esperado, Siegel y Shuster crearon a Superman para una nueva publicación de la editorial en la cual trabajaban, la cual tenía por título Action Comics (Junio de 1938).

A pesar del gran éxito obtenido por el personaje en cuestión, poca suerte tuvieron sus creadores ya que cedieron sus derechos sobre el mismo por bastante poco dinero.

Si bien no deseaba dejar de dibujar, el fracaso de alguna de sus ideas y sus problemas visuales lo fueron apartando del medio. Por suerte, aunque podríamos decir una suerte a medias, en 1975 tanto él como Siegel obtuvieron un reconocimiento a su labor cuando Warner Communications(por entonces dueña de DC Comics) se les concedió una pensión vitalicia de U$S 25.000 anuales más un seguro médico… poca cosa para una editorial que había obtenido miles de millones de dólares gracias a Superman.

-PRIMER DISEÑO DE SUPERMAN (1936)-

Todas las iliustraciones precedentes corresponde a la novela "Adventures of Superman" escrita por George Lowter en 1942, en donde el hombre de acero debe enfrentarse a un grupo de saboteadores alemanes.

WAYNE BORING(1905-1987)

Este ilustrador, nacido en Minnesota, estudio en el Minesota School of Art y en el Chicago Art Institute.

Aparte de dibujar Superman para National Allied Publications, trabajó en otros personajes como Slam Bradley y El Doctor Oculto.

Con respecto al hombre de acero, Boring trabajó primeramente como entintador de Stan Kaye y posteriormente como dibujante principal. Su particular estilo se encargó de redefinir al Superman de los 40 y los 50, que se caracterizó por presentar una mayor musculatura y sensación de poder.

Wayne Boring continuó dibujando al hombre de acero hasta los años 60, aunque para esos tiempos un dibujante llamado Curt Swan ya le hacía sombra al volver a redefinir al personaje.

KURT SCHAFENBERGER (1920-2002)

Nacido en Alemania, emigró a los 7 años a los EE. UU. En donde estudio dibujo en la Escuela de Arte de Brooklyn.

En 1942 comenzó a trabajar para la editorial Fawcet ( Capitan Marvel, Bulletman y Fighting Yank) y Timely (Capitán América).

Posteriormente dibujó por un lapso de 11 años Superman´s Girl Friend Lois Lane, en donde la tenaz Lois Lane vivía sus propias aventuras y, de paso, intentaba obtener los favores amorosos de Superman… la mayoría de las veces inútiles.

CURT SWAN (1920-1996)

-CURT SWAN POR STAN DRAKE-

No se sabe a ciencia cierta si fue quien más dibujo a Superman en los comics, pero sin duda es el dibujante más conocido de la Edad de Plata de los comics.

Sus bellos diseños se encargaron de reformular al Superman definitivo de los años 60 y más allá, aggiornandolo magistralmente a la época. Entre 1955 y 1957 trabajó como ayudante de Wayne Boring para las revistas Adventure Comics, Superboy y Superman´s Pal Jimmy Olsen.

Posteriormente se haría poco a poco cargo de Superman, Action Comics, World´s Finest, Superman Girl´s Friend Lois Lane y las tiras publicadas en los diarios.

Debido al gran preciosismo impuesto en sus trabajos, numerosos entintadores (como Stan Kaye, John Forte, Jack Abel, George Roussos y Murphy Anderson) se encargaban de terminar sus trabajos.

Luego de la reformulación de la editorial DC a partir de la maxi-saga Crisis en las Tierras Infinitas, Curt Swan continuó trabajando de manera esporádica para la revista Action Comics.

En 1997 recibiría el famoso Premio Eisner, debido a su gran labor artística.

JACK KIRBY (1917-1994)

¿Qué se puede decir de Jack “The King” Kirby que ya no se haya dicho en numerosos blogs, páginas, libros y revistas especializadas?

Basta decir que luego de su brillante paso por la editorial Marvel, Kirby encaró una de sus obras más personales en la revista Superman´s Pal Jimmy Olsen durante los años 70. En esta publicación de muy bajas ventas se encargaría de crear todo un nuevo universo plagado de dioses omniscientes que representaban las dos caras de la existencia del universo mismo.

Sus grandiosas escenas cósmicas, el dinamismo impuesto en las imágenes y sus diálogos fastuosos, dejaron una impronta indeleble entre los fans que apenas si le daban importancia a este título menor que se hallaba emparentado con la gran saga del hombre de acero.

Si bien no obtuvieron el éxito deseado por los directivos que habían contratado a este dibujante, Darkseid, Orión, Los Jóvenes Eternos, El Alto Padre y resto de sus creaciones se transformarían en una piedra fundamental del universo DC, que aun hoy perdura en los diferentes títulos de la casa... incluso los de Superman.

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DIBUJANTES DE ACERO (2º vuelo)

June 15, 2013, 11:39 am

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NEAL ADAMS (1941)

Sin dudas es uno de los más grandes artistas que ha dado el medio comiquero. Su trazo espectacular e innovador, con un diseño de viñetas que parecen querer escaparse de las páginas del comic, puede ser admirado en series como Deadman, Batman (y su inolvidable saga de Ra´s Al Ghul), Green Lantern & Green Arrow, Los Vengadores y Uncanny X-Men.

Mi primer contacto con este increíble dibujante fue gracias a la edición en tamaño tabloide de Superman Vs. Muhammad Ali, que publicara en su momento la extinta editorial Novaro y que afortunadamente aun tengo en mi poder, considerado por muchos como una de sus obras maestras… un concepto que no pienso contradecir en lo absoluto.

GIL KANE (1926-2000)

Emigrado de Letonia en 1929, Gil Kane trabajó desde la década del 40 (cuando aun estaba estudiando en la School of Industrial Art) para las principales compañías comiqueras de EE.UU.

Su principal aporte fue el haber co-creado las modernas versiones de Linterna Verde y Atom para DC Comics. También podemos ver todo su talento en las colecciones de Spider-Man, Conan el bárbaro, T.H.U.N.D.E.R. Agents, Tales of Astonish y un larguísimo etcétera.

A principios de los 80, trabajó junto a Curt Swan en los comics de Superman y contribuyo a la realización de su versión animada de 1988.

Influenciado por la labor de Jack Kirby y Joe Simons, el más que distinguible dibujo de Kane se caracteriza por su gran dinamismo visual y sus atrevidas perspectivas.

JOHN BYRNE (1950)

Nacido en Canada, este notable dibujante devenido a guionista se encargó de reformular el mito del hombre de acero en 1986, luego del acontecimiento comiquero conocido como Crisis en Tierras Infinitas.

En sus historias, el último sobreviviente del lejano planeta Krypton se hallaba más deseoso de ser Clark Kent que su contraparte superheroica. Es así como en este nuevo universo nos es presentado un Clark más atrevido y no el llorica de las etapas anteriores, una Lois Lane autosuficiente que no corre desesperadamente tras el héroe y un Lex Luthor devenido en un despiadado megaempresario que rige los destinos de la ciudad de Metrópolis.

Byrne ya había sido ampliamente conocido debido a su participación en los X-Men, junto a Chris Claremont, y Los Cuatro Fantásticos. Otros trabajos de importancia fueron Next Men, Wonder Woman, Doom Patrol, OMAC y Superman & Batman: Generaciones.

Influenciado por la labor de Neal Adams, el trazo de Byrne se caracteriza por la claridad de sus líneas y el rico detallismo impuesto en los escenarios en los cuales se desenvuelven sus protagonistas (cuando se pone las pilas, claro está). Los personajes recreados por su pluma suelen estar muy bien definidos, remarcando de manera vigorosa toda su heroicidad o, por el contrario, su maldad.

-La ilustración de arriba corresponde a la miniserie El Mundo de Krypton. La parte
superior fue dibujada por Byrne en tanto que la inferior corresponde a Mike Mignola-

GEORGE PEREZ (1954)

Junto a Marv Wolfman se encargó de redefinir las bases heroicas de un grupo de jóvenes superhéroes conocidos como Los Jóvenes Titanes–Robin, Wonder Girl, Aqualad y Kid Flash- con un tratamiento los alejaría de su eterna categoría de ayudantes de otros héroes.

Su otro gran trabajo fueron las ilustraciones realizadas para la dramática maxisaga conocida como Crisis en Tierrras Infinitas, en donde se destruiría al caótico Multiverso para dejar su lugar a un nuevo universo DC, que sería más adulto y coherente que el que venía existiendo hasta entonces.

El tercer aporte en esta misma editorial fue el encargarse de uno de los grandes íconos de la historia de los comics: Wonder Woman. Esta nueva princesa amazona se distanciaría del mundo superheroico para acercarse a sus raíces mitológicas, de las cuales se había inspirado su creador en la década del 40.

Su paso por las colecciones de Superman fue bastante breve, pero resultaron inolvidables. También le daría un papel de importancia en las diferentes sagas en las cuales llegó a participar.

Entre otros trabajos realizados por George Pérez podemos nombrar La Guerra de los Dioses, Hulk: Futuro Imperfecto, Los Vengadores y la saga JLA/Avengers.

DAN JURGENS (1959)

Este prolífico guionista y dibujante fue nada más ni nada menos quien decidió matar al hombre de acero, cuando lo enfrentó en combate singular contra el bestial Doomsday, en la saga conocida como La Muerte de Superman.

Aparte de sus trabajos en las revistas Action Comics, Adventures of Superman y Superman, las ilustraciones de Jurgens pueden ser vistas en muchísimos otros títulos de DC Comics -Batman, Booster Gold, Justice League of America, Superman/Doomsday: Hunter/Prey y Titans/Legion of Superheroes-, Marvel Comic Group–Capitán América y Thor-, Editorial Valiant–Solar- y algunos crossover entre editoriales – Superman vs. Aliens y Superman/Fantastic Four-

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DIBUJANTESDE ACERO (3º VUELO)

June 22, 2013, 1:30 pm

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-ALEX ROSS (1970)-

Hablar de las ilustraciones de Alex Ross es hablar de la vida misma. Sus detalladas pinturas, obras de arte en su concepto estilístico, son un auténtico deleite para todo aquel que se acerca a su labor creativa.

Alentado por su propia madre, que había sido una talentosa diseñadora de modas y artista comercial, Ross estudió en la American Academy of Art de Chicago, Illinois. En un principio trabajó en una agencia de publicidad realizando storyboards para spot publicitarios.

Su primer trabajo en el terreno del comic fue Terminator: The Burning Earth (1990) para NOW Comics. Posteriormente, esta vez para Marvel, realizaría una historia corta llamada Open Space que, lamentablemente no fue publicada en ese momento.

Junto a Kurt Busiek crearía la magnífica miniserie Marvels, en donde realiza un trabajo soberbio al retratar el nacimiento del universo Marvel visto desde la óptica del ciudadano común.

En 1996, junto a Mark Waid, escribiría y dibujaría una de las más grandes miniseries que han sido publicadas por DC Comics: Kingdom Come. En ella nos entregaría una exquisita historia sobre un supuesto futuro del universo DC, con un Superman saliendo de su retiro para llevar paz y esperanza a un mundo sumido en la violencia de unos héroes totalmente descontrolados.

Esa misma idea sería retomada por Ross en Earth X y sus secuelas Universe X y Paradise X, en donde nos cuenta la historia del futuro de los héroes Marvel.

Entre 1998 y 2003, realizó las ilustraciones de los especiales Superman: Peace on Earth, Batman: War on Crime, Shazam: Power of Hope, Wonder Woman: Spirit of Truth, JLA: Secret Origins y JLA: Liberty and Justice, que contaron con los guiones de Paul Dini.

Entre otros trabajos podemos destacar Miracleman: Apocrypha, Hellraiser # 17, la tapa del libro Superman: Doomsday & Beyond (uno de sus primeros trabajos realizados para Superman), Spawn # 100, Astrocity e innumerable cantidad de portadas para DC, Marvel y muchas otras editoriales.

A modo de yapa, les dejo el poster de Crisis en Tierras Infinitas que fuera dibujado por George Perez y pintado por Alex Ross

-JOSÉ LUIS GARCÍA LOPEZ (1948)-

Nacido en Pontevedra (España), pero conocido en todo el mundo, García López se ha convertido en uno de los grandes ilustradores de comics que nos ha dado la madre patria.

Según sus propias palabras, las fuentes de inspiración creativa se deiron a través de la obra de Alex Raymond (Rip Kirby), Harold Foster (El Principe Valiente), Milton Caniff (Terry y los Piratas), José Luis Salinas (Hernan el Corsario y Cisco Kid) y el maestro Alberto Breccia (Vito Nervio, Mort Cinder y Sherlock Time).

En la década del 60 comenzó a trabajar para la editorial Carlton Comics y en 1974 conoció Joe Orlando, que era el editor de DC Comics. Para esta editorial realizaría ilustraciones para Action Comics, Superman, Adventure Comics, Detective Comics, DC Comics Presents, DC Especial # 27 (con el crossover entre Batman y Hulk), Atari Force, Cinder & Ashe, Deadman, Nuevos Titanes, DC Universe: Legacy, Superman: Kal, Superman Inc. y la miniserie Crepúsculo (por la cual recibió el premio Eisner).

-BRUCE TIMM (1961)-

Este gran diseñador de personajes, animador y productor, se hizo conocido en el mundo de los comics de superhérores gracias a las versiones animadas de gran parte del universo DC.

Héroes como Batman, Superman y La Liga de la Justicia cobrarían nueva dimensión, gracias a la excelente factura de las animaciones realizadas a tal efecto y a la gran calidad de sus guiones.

Fuertemente influenciado por el estilo Art-Decó, la novela Pulp y los comics de las décadas del 40 y del 50, ese tipo de producciones se encargaron de cambiar ostensiblemente al mundo superheroico, tanto en la televisión como en el cine y los comics.

Su estilo casi minimalista, caracterizado por un gran dinamismo y un excelente manejo de luces y sombras, estuvo inspirado en los trabajos de Jack Kirby, Harvey Kurtzman, Jim Steranko, John Buscema, Frank Frazetta y Alex Thot.

Si bien los aportes de Timm a los comics no es precisamente voluminosa, junto a Paul Dini ganarían el premio Eisner en 1994 con Mad Love, una historia en donde se relata los orígenes de Harley Quinn y su enfermiza relación con el Joker.

-JIM LEE (1964)-

¿Quien iba a decirnos que un coreano iba a transformarse en uno de los más cotizados dibujantes de comics de superhéroes norteamericanos?

No cabe ninguna duda que Jim Lee lo pudo hacer… y a lo grande.

Por deseos de su padre, cuando se trasladaron a los EE.UU., Jim estudió medicina en la Universidad de Princeton. Al graduarse, abandonó la carrera y se dedicó de lleno a su verdadera pasión: el dibujo de historietas.

Sus primeros trabajos fueron para la editorial Marvel Comics, con títulos como Alpha Flight y Punisher War Journal, pero su consagración definitiva vino de manos de los ya por entonces exitosos X-Men. El gran detallismo impuesto en sus ilustraciones (a los que se sumaba el entintado del talentoso Scott Williams) cautivó a los lectores de la serie, elevando exponencialmente las ventas de los títulos mutantes.

No encontrándose conforme con la política que imperaba en la Marvel, Lee y otros dibujantes estrella (entre ellos Todd Mc Farlane, Alan Silvestri y Eric Larsen) abandonaron la casa de las ideas y fundaron una editorial independiente conocida como Image, en donde creó la serie Wild C.A.T.S y su propio sello llamado Wildstorm.

Posteriormente volvería a Marvel con el proyecto Heroes Reborn, Iron Man y Los Cuatro Fantásticos. Al vender Wildstorm a DC, comenzó a trabajar en las colecciones de Superman, Batman, Wild C.A.T.S. y Crisis Infinitas.

-JERRY ORDWAY (1957)-

Dibujante y guionista nacido en los EE.UU., el cual trabajo en sus inicios como entintador de numerosos títulos de la editorial DC Comics, entre ellos Crisis en Tierras Infinitas.

Entre sus influencias artísticas podemos citar a Curt Swan, Jack Kirby, Gil Kane, John Buscema y Steve Ditko, a los que posteriormente llegaría a entintar sus trabajos.

Entre 1986 y 1993 trabajó como dibujante de Superman, al que le siguieron Lois & Clark: The New Adventures of Superman, Superman the Man of Steel 1.000.000, Showcase 96, All Star-Squadron, Secret Origins, El Poder de Shazam y la serie mensual dedicada al protagonista de esta última: El Capitán Marvel.

-JON BOGDANOVE-

Este dibujante comenzó sus labores en la editorial Marvel Comics con títulos como Alpha Flight, Power Pack, Fantastic Four vs. X-Men y X-Terminators.

Posteriormente pasaría a DC Comics y, junto a Louise Simonson, se embarcaría en la realización de Superman: The Man of Steel entre1991 y 1999.

Si bien dejó la serie, Bogdanove no abandonó al personaje, encargándose de una serie de crossover entre personajes de diferentes compañías como Superman & Savage Dragon: Metropolis (Image) y Superman/Aliens II: God War (Dark Horse)

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DIBUJANTES DE ACERO (4º VUELO)

June 29, 2013, 11:53 am

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Lamentablemente el mes de acero está llegando a su fin y con el nuestros sueños por volar más y más alto hacia el lejano cielo azul.

Por 75 años, Superman se ha transformado en una parte indivisible de nuestra cultura. Esa suerte de dios cotidiano, defensor de los grandes valores y la moral que poco a poco han ido diluyendose en aras de un siglo XXI embriagado de fría tecnología y cruel violencia.

Pero aun así, este personaje siempre permanecerá vigente en el acervo popular. El fue el primero... y, por ende, será eterno.

Con respecto a la génesis del hombre de acero, Jerry Siegel explicaría:-

"Había concebido mi personaje un tanto inspirado en personajes míticos como Sanson y Hércules; tenía que ser alguien que tuviera toda la fuerza del mundo, y para el cual nada fuera imposible. Solamente eso...

"Esto fue una noche; al día siguiente, a primera hora, fui a casa de Joe Shuster y se lo comenté; le gusto la idea y casi al momento se puso a hacer unos bocetos...

"Al ver sobre el papel lo que podía ser, se me ocurrió la idea de que el personaje debía volar. Creo que eso fue lo más importante, lo que hizo totalmente distinto a nuestro personaje. Pensamos en varios nombres para el, pero ninguno nos parecía adecuado para este superhombre; por fin, decidimos que ese era su verdadero y lógico nombre: Superman.

"A los editores les parecía que Superman era demasiado fantástico... nadie se va a creer que este hombre pueda realmente existir, nos decían; precisamente, nosotros decíamos que se tratara de un hombre común, sino de un ser de otro planeta que solo tenía nuestra apariencia física"

¡GRACIAS A RAO QUE LOS EDITORES, POR REGLA GENERAL, NUNCA TIENEN LA RAZÓN!

-GALERIA DE IMÁGENES-

La cantidad de dibujantes que pasaron por las páginas de las revistas de Superman es enorme. Tan enorme que le sería imposible para este blog el poder mostrar una pequeña parte de dicha labor artística.

Es por ello que, en aras de evitar el aburrimiento de mis fieles seguidores (¿queda alguno por ahí?), traigo hasta ustedes algunas de las mejores visiones que pude encontrar sobre este personaje tan emblemático.

Espero que lo disfruten.

-EDUARDO BARRETO-

-BRIAN BOLLAND-

-DAVE BULLOCK-

-DAN BERETON-

-ED BENES-

-FRANK MILLER-

-GARY FRANK-

-STUART INMONEN-

-KERRY GAMMILL-

-ED MCGUINES-

-MIKE WIERINGO-

-CARLOS PACHECO-

-PASCUAL FERRY-

-BILL SIENKIEWICZ-

-TIM SALE-

-ADAM HUGHES-

-ANDY KUBERT-

-ARIEL OLIVETTI-

-ARTHUR ADAMS-

-BERNIE WRIGHTSON-

-BOB MCLEOD-

-BRYAN HITCH-

-CARLOS MEGLIA-

-DAN SCOTT-

-DAVE FINCH-

-DAVE GIBBONS-

-DES TAYLOR-

-DUSTY ABELL-

-EDDY BARROWS-

-FRANCIS MANAPUL-

-FRANK QUITELY-

-GREG PAK-

-H. J. WARD-

-HOWARD CHAYKIN-

-JACK DAVIS-

-JEROME K. MOORE-

-J. H. WILLIAMS III

-JIM CALAFIORE-

-JIM STARLIN-

-LEE BERMEJO-

-MICHAEL LARK-

-MICHAEL TURNER-

-MIKE MIGNOLA-

-MIKE ZECK-

-MOEBIUS-

-PETER VALE-

-RAGS MORALES-

-STEPHEN YOULL-

-JIM STERANKO-

-STEVE RUDE-

-WALT SIMONSON-

... y como yapa les va un extraño hallazgo de Internet dibujado por Cliff Chiang. En el mismo podrán ver una suerte de versión Animé de Superman, al mejor estilo Mazinger.

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MARK SCHULTZ: ARTEZOIC TALES

July 7, 2013, 5:56 am

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Nota aclaratoria: es mi deber informarles que este blog profesa un amor incondicional por los dinosaurios… y también por las chicas ligeras de ropas. Terraman.

Extracto del articulo “Xenozoic Tales y Mark Schultz: rastreando a los clásicos- Escrito por Eduardo Martinez-Pinna- publicado originalmente en www.tebeosfera.com

La primera impresión que recibe un lector neófito al sumergirse en una obra tan absorbente como Xenozoic Tales es la del impacto de sus poderosos dibujos, aun siendo en blanco y negro. Tras la lectura del primer episodio se añade una sensación de deja vû eminentemente grata. Procediendo a unir ambas impresiones, tanto la visual, como la familiar, podríamos avanzar el primer aspecto gráfico y temático del cómic.

Las aventuras tienen lugar en una sociedad post apocalíptica, con una población humana disminuida, que vive en clanes o tribus, que utiliza tecnologías y viste ropas de la primera mitad del siglo XX, convive con dinosaurios de la Era Secundaria (y algunos de la Primaria) además de otros animales extintos y quimeras. Entre las actitudes sociológicas que resultan familiares, aparecen la recolección de recursos naturales (caza y pesca), las relaciones de cortesía política que se establecen entre la casta dominante de una tribu cuando recibe una representación diplomática de otra, además de un brevísimo apunte sobre el sistema político de una sociedad diezmada. Por si fuera poco, el autor se concede un pequeño espacio para presentarnos a uno de sus protagonistas y la situación profesional que ocupa en su comunidad. Todo esto en tan sólo doce páginas, y por medio de unos dibujos que resultan espléndidos. Estamos pues, ante un gran fabulador.

Probablemente buena parte de la bondad del trabajo resulta de la fusión de un afortunado grupo de influencias que su autor, Mark Schultz, mezcla con sabiduría. Un gusto por los pulps y las novelas de aventuras, por el cine de ambiente futurista con toques de ópera espacial, sin olvidar el de aventuras y safaris, ni por supuesto el romántico. Impactantes guiones de la editorial EC, de William M. Gaines, y de la de James Warren con dibujos que recuerdan los estilos de algunos de sus mejores dibujantes como, Wallace Wood, Al Williamson y Frank Frazetta, con homenajes evidentes a maestros anteriores, aquellos cuyo trabajo era distribuido por syndicates. Y por supuesto, por los dinosaurios, tanto en sus visualizaciones fílmicas, como en sus aspectos paleontológicos. Esta mezcla, y posterior hilvanado de retales, se entretejen para formar una trama que pese a estar incompleta resulta entretenidísima, dando esa mezcla de familiaridad e impacto antes mencionada.

William Stout y Al Williamson califican a Mark Schultz (1955, Pittsburg, Pensylvania) como una gran persona, un gran profesional, y un dibujante poseedor de hálito. Entiéndase por hálito la capacidad indefinible, pero al mismo tiempo comprensible, por la cual determinados ilustradores son capaces de convertir sus dibujos en relato. La capacitación para el cómic de Schultz es manifiesta, pues además de ser autor completo es capaz de escribir competentes guiones para otros dibujantes y realizar magníficas ilustraciones que sirvan de portada, y reclamo, a otras publicaciones. Es pues un superdotado de la historieta.

El primer cómic que realiza es una historia, que posteriormente se integrará en el ciclo Xenozoic Tales, para el fanzine underground titulado Death Rattle, publicado por Kitchen Sink Press en 1986. La práctica totalidad de su actividad en cómics hasta bien avanzado 1996 es en este título, del que se hablará detenidamente en su aspecto editorial en un siguiente apartado. A partir de octubre de 1996 (fecha de publicación del último número de Xenozoic Tales) la estela y el prestigio de Schultz se sitúa en los máximos de hasta ahora su breve carrera, diversificando su actividad en cómics con trabajos menos laboriosos pero muy bien gratificados, consistentes en la realización de guiones y de ilustraciones de cubierta para otras publicaciones.

Los inicios de Schultz en el cómic se dan en esta obra, única en que se muestra como autor total, cuya primera entrega aparece en el número 8 del fanzine Death Rattle, fechado en diciembre de 1986 y publicado por el sello Kitchen Sink. La historia es muy del gusto y de la línea editorial, por lo que éste le propone la creación de un título genérico que englobe la producción posterior de nuevas historias basadas en este concepto. A tal efecto, nace en febrero de 1987 el que será el primer número del comic book Xenozoic Tales, que se va a mantener hasta diciembre de 1996, dejando la historia incompleta.

De la calidad, el prestigio y el beneplácito público que el autor alcanza en muy poco tiempo, dejan constancia: Por un lado los premios de excelencia en cómic, cuatro Harvey, dos Eisner y un Haxtur –más algunas candidaturas- que avalan su brevísima e intensa carrera. El segundo hecho se explica por la profusión de reediciones, tanto de la editorial madre, Kitchen Sink, como la de la poderosa Marvel a través de su sello Epic. Y el tercero, por la realización de un Vol. II, editado por Topps Comics, y realizado por otros autores e ilustradores de cubiertas. Compleméntese con la generación de un abundante y rentable merchandising, que incluye además de figuras, estatuas, naipes, pósteres, versiones tridimensionales, portafolios de lujo…, además de una serie de televisión de dibujos animados, producida por Oliver Stone con el título Cadillacs and Dinosaurs.

La promoción mediática del trabajo de Schultz brilla en un elevado nivel, que pese a todo no alcanza el de productos superheroicos propios de las grandes empresas como Marvel, Image y DC. Las reediciones y complementos de su obra son abundantes y aparte de obedecer a una función mercantilista, sirven para paliar la ansiedad de un nutrido grupo de admiradores que la obra ha presentado desde la publicación de su primer episodio.

Los premios, la aceptación de crítica y público, el inmenso prestigio de Schultz y el rendimiento económico que genera, avalan la calidad incuestionable de una obra tan corta. Para la independiente Kitchen Sink es rentable, para su autor y propietario, todavía más, y si existe un público interesado, la justificación es clara.

Los dibujos de Schultz representan el señuelo de su obra. Su concepción original es en blanco y negro, con el consiguiente menoscabo que supone eso a la comercialidad de un comic book, donde el color significa una de sus bazas fundamentales. Pero la técnica del autor compensa la ausencia cromática con el detallismo propio de un grabador, el dinamismo de sus formas animales, con su extraordinario poder de reclamo y fascinación propios de una época de “dinomanía”, y otros evidentes y significativos alardes de técnica, consistentes en la representación de los vistosos Cadillacs. Y por supuesto el good-girl art, presente en la figura de Hannah Dundee, con semejanzas de Dale Arden, Bettie Page y toda la esencia evocadora que han manifestado las chicas morenas desde que el cómic hizo su aparición.

Otro de los grandes ganchos consiste en la diferenciación de las extraordinarias cubiertas que distinguen las diferentes y abundantes reediciones de la obra. Su personalísimo dibujo no necesita de ayudantes que realicen los fondos, ni siquiera de entintadores (a excepción de algunos de los primeros episodios) siendo cada página y cada viñeta un prodigio de composición y un alarde de perfeccionismo.

En líneas generales, el estilo gráfico presente en Xenozoic Tales se asienta sobre una escuela realista, que evoluciona marcada y fehacientemente en este sentido. En las mismas líneas generales, su estética se identifica con dos características tan simples como contundentes: La asunción, conversión y adaptación de influencias, que van desde el estilo EC / Warren, hasta los grandes maestros clásicos como Foster, Eisner y Raymond, y una segunda basada en un documentalismo extremadamente manifiesto en las imágenes de armas, vestuario, automóviles y animales extintos que pueblan el complejo y ecléctico escenario xenozoico.

La mirada atenta a la parte ilustrada del cómic revela la presencia más o menos definida de cuatro fases, cuyas fronteras son más virtuales que reales. Las primeras historias, entintadas por Stiles, pese a que presentan un trazo elegante y suelto, también revelan una tendencia a la caricatura y al trazo distorsionado, con rostros de tipo más expresionista y figuras de cabezas grandes. En estos primeros números se va cumpliendo con los plazos de entrega y la publicación adopta una cadencia bimestral. Los episodios centrales se inscriben en una segunda fase y probablemente representan la cota estética de la obra. El entintado es ya del propio Schultz, y pese a que los rostros están todavía alejados de la línea realista más ortodoxa, el dibujo manifiesta una compacidad estética envidiable, amparado de un guión que luce sus mejores momentos.

El acabado detallado y los consiguientes retrasos de las entregas van haciéndose norma. Una tercera fase de transición en donde el dibujo adopta ya una madurez casi definitiva, que se acompaña de guiones más informativos, prologa la cuarta y definitiva fase, con los tres últimos episodios, y en donde el dibujo alcanza su estilo más definitorio, la composición se hace primorosa, e ilustra guiones más complejos. Los retrasos se prolongan por años y se produce inevitablemente el final de la obra, en un momento en que la trama y el dibujo aconsejan exactamente lo contrario. Schultz ha caído prisionero, parece ser que de manera irreversible, en su meticulosidad, detallismo obsesivo, y poca prolificidad.

Factor de reconocida importancia en su dibujo, es el documentalismo. Los cadillacs (concretamente el Coupe de Ville de 1950, el emblema de la casa) son reales, con las adaptaciones mecánicas propias, pues su motor carbura con los excrementos nitrogenados de los dinosaurios y no con los aceites resultantes de su conversión en materia inorgánica. Los variados tipos de dinosaurios tienen la morfología y aspecto que proponen los paleontólogos actuales, expuesta en multitud de libros y estudios divulgativos sobre el tema. La demás fauna extinta también exhibe esa cuidada documentación, que alcanza el diseño de dos importantes quimeras de marcada fuerza argumental. Harvestman (cosechador) es una mezcla razonable entre caracteres crustáceos y arácnidos, y su movimiento es el propio de un artrópodo. Para el diseño de los grith, homínidos resultantes de una evolución alternativa y apócrifa a partir de dinosaurios en vez de mamíferos, Schultz se basa probablemente en las investigaciones propuestas por el paleontólogo Dale Russell, que crea al supuesto dinosaurioide homínido a partir de terópodos troodóntidos en los años ochenta. La diferencia entre ambos es la presencia de escamas en los grith, ausentes en el modelo de Russell.

El autor domina la composición en todo tipo de planos. Primeros, medios, generales y panorámicas, tanto en visiones en picado, como en contrapicado, alternándolos con la precisión de los buenos narradores. Panorámicas picadas para la presentación y descripción inicial de un episodio, en forma de splash page, contrapicados para preludiar grandes dramas o acontecimientos pasionales, primeros planos que expresan sentimientos, y planos medios que sujetan los diálogos más trascendentes, se suceden con cadencia milimétrica, dotando al relato de agilidad, y sobre todo dándole la forma adecuada, que definitivamente lo aleja del estatismo y la ilustración, por cargados y detallados que sean los fondos. Esa complejidad barroca del escenario se hace necesaria, pues como ya se ha indicado, el mundo xenozoico, es uno de los grandes protagonistas, por lo que su caracterización física debe ser tan evidente como la de sus protagonistas animados.

A lo largo de todo el análisis se ha considerado Xenozoic Tales como una obra única y original, basándose en una constelación de supuestos que se pueden reordenar en este apartado. En su aspecto literario se estructura y vertebra como un relato, con todo lo que ello supone: La creación de un escenario único y complejo, y la composición de unos personajes creíbles que se muevan en su entorno.

Su realización gráfica es impecable, merced a unos dibujos de tendencia realista fabulosos, con un entintado y acabado, que supera con creces el supuesto handicap que supone la ausencia de color. La actualidad de este estilo realista, está fehacientemente constituida por autores de calidad tan contrastada como Dave Stevens y Frank Cho, siendo Schultz el elemento actual más representativo, tanto en sus trabajos de cómic como de ilustración.

Es una obra de autor, en formato comic book, ajena al Comics Code y a los plazos de entrega, publicada por una editorial independiente y proclive a cuidadas reediciones con nuevas y vistosas cubiertas. Esto la hace no solo alternativa, sino también desafiante, al integrarse en estéticas ajenas al vanguardismo y derrochar un clasicismo atemporal, modélico e inclasificable.

Xenozoic Tales es una obra maestra.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

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ALEX ROSS: DISEÑANDO EL FIN DE LA EDAD HEROICA

July 15, 2013, 5:15 pm

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A lo largo de la larga existencia del cómic de superhéroes hubo muchos ilustradores que supieron marcar un nuevo rumbo para las futuras generaciones de dibujantes. Todos ellos fueron auténticos creadores que se encargaron de cambiar la recta línea de lo cotidiano, ofreciéndonos novedosas variantes de este quehacer artístico.

Desde que Jerry Siegel y Joe Shuster crearon al que seria el primer superhéroe (por supuesto me estoy refiriendo a Supermán) allá por 1938, miles y miles de paginas fueron dibujadas por miles y miles de artistas. Algunos eran buenos... otros francamente malos.

Tan solo unos pocos han logrado permanecer en el recuerdo de los fans a pesar de los años transcurridos. Entre ellos no podemos dejar de nombrar a Jerry Robinson, creador del estilo del Batman de los años 40 y de nada menos que el Joker; al “Rey” Jack Kirby con sus delirios cósmicos y su acción trepidante; al gran estilista Neal Adams (Batman, X-Men); al inconfundible Curt Swan, que por muchos años se encargó de darle la figura definitiva al hombre de acero; o los abstractos diseños de Bill Sienkiewicz en Los Nuevos Mutantes y Elektra Asesina.

En los años 90, la industria del cómic sufrió una gran revolución con la llegada de otros mitos modernos de la ilustración. Al frente de todo este grupo de nuevas promesas se hallaban Jim Lee y Todd Mc Farlane, los cuales cambiaron la forma de contar los cómics al dar mayor importancia al dibujo por sobre el texto. Esto originó un aluvión de malos clones, que lo único que hicieron fue pudrir el panorama.

En esos tiempos casi parecía que sobre el mundo del cómic de superheroes no había nada nuevo para decir… pero, afortunadamente una luz de esperanza se encendió en lo que parecía un oscuro anochecer.

Allá por 1994, los lectores de los cómics books de la Editorial Marvel se vieron gratamente sorprendidos por una miniserie en cuatro números en donde se realizaba un repaso, en tiempo de los noventa, del maravilloso pasado Marvel. Dicha historia va transcurriendo desde los tiempos de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de la Antorcha Humana, Namor y El Capitán América hasta las épocas actuales, con los eternamente perseguidos mutantes, el sorprendente Hombre Araña y Los Cuatro Fantásticos.

El argumento de Kurt Busiek, en donde se narraban los hechos desde el punto de vista del hombre cotidiano, gustó enormemente al público lector. Pero quien se encargó de cosechar casi todos los halagos fue un casi desconocido ilustrador que supo plasmar a la perfección, y con un realismo sin precedentes, a todo ese increíble universo. Su nombre era Alex Ross.

Fue el propio Kurt Busiek quien lo descubrió, a principios de los 90, cuando Ross se hallaba realizando una antología llamada Open Space, la cual nunca fue publicada. A pesar de este pequeño fracaso la Marvel creyó en él y lo juntó, en una suerte de matrimonio creativo, con Busiek para que este último le afinara unas ideas que venían rondando por su cabeza: el contar la historia definitiva del Universo Marvel.

Con el éxito a sus espaldas, Alex Ross presentó un guión de 40 páginas que narraba el futuro de los héroes de la editorial DC. Ese proyecto, llamado The End of the Heroic Age, fue aprobado y se procedió a llamar al guionista Mark Waid para que puliera el argumento con el fin de transformarlo en una miniserie compuesta por 4 volúmenes (al que posteriormente le sería agregado un epílogo que cerraba el relato).

Kingdom Come vio la luz en el año 1996 y los fan se vieron más que gratamente apabullados ante esta nueva apuesta de la editorial DC. Englobada en el género conocido como Elseworld (Otros Mundos), esta miniserie narraba un supuesto futuro del universo DC, una época en el que el concepto de héroe se ha distorsionado profundamente. Todo esto llevará a los viejos justicieros, encabezados por Superman, Wonder Woman y Batman, a tomar cartas en el asunto con el fin de devolver la paz a un planeta convulsionado. Pero, a pesar de parecer una cruzada altruista, sus acciones podrían conducirlos a un futuro aun más oscuro y peligroso.

La obra creativa de Alex Ross es sumamente variada y prolífica. Realizó los diseños de los personajes y las tapas de Astrocity desde 1995 (junto Kurt Busiek), un cómic para la revista Hellraiser, Uncle Sam para la línea Vértigo y numerosas portadas para la revista Wizard (Héroes y villanos de la Marvel, Kingdom Come etc.). Para DC hizo varias tapas para las colecciones de la casa (Batman, Supermán y otras) y la producción de un especial del hombre de acero llamada Supermán Peace in Earth (1999) cuyas ganancias fueron destinados a UNICEF, al que se sumaron otros especiales dedicados a Batman, Wonder Woman, Capitán Marvel y La Liga de la Justicia.

Otro de sus trabajos importantes fue la saga conocida como Earth X (Tierra X), que se inicio a partir de unos bocetos realizados para la revista Wizard N° 77 en donde se vislumbraba un posible futuro para los héroes de la editorial Marvel. Estas ideas interesaron a los capos de esta última dando inicio a un extenso proyecto (Tierra X, Universo X y Paraiso X). A los diseños y portadas de Ross, se sumaron los textos adicionales de Jim Krueger y los dibujos interiores de John Paul Leon.

Todo este éxito se debe al arte perfeccionista de esta auténtica gloria de los cómics quien les otorgó una nueva dimensión a los dibujos de superheroes, ya que los mismos son un reflejo de la realidad.

Como la vida misma.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

Las imágenes que se ven a continuación, son scans exclusivos obtenidos del libro Comicology: The Kingdom Come Companion (Harbor Press -1988-); las revistas Dolmen Nº 24 (1998), Wizard Millenium Edition: The Alex Ross Special (1999) y la Edición Especial Slumberland Nº 2: Alex Ross (1998) y las trading cards Kingdom Come eXtra (1996) que obran en mi poder.

A continuación podrán ver los personajes de Kingdom Come basados en los diseños realizados por Alex Thot para Los Superamigos. El Capitán Marvel sustituye a Marvin y Nightstar a Wendy. El Perro Maravilla fue reemplazado por Menagerie, versión futura de Changelling. Posteriormente, Aquaman fue reemplazado por El Espectro y Menagerie por Norman McCay, pieza fundamental de la historia .

Bocetos preliminares de las paginas 11 y 15 de The Kingdom Come

La mayor parte de los bocetos y diseños que verán a continuación datan de 1993. Poco antes, Ross se había puesto en contacto con James Robinson para que colaborara con The End of Heroic Age, pero luego fue Mark Waid quien se embarcaría en el proyecto que sería finalmente conocido como Kingdom Come.

AVIA

Es la hija de Scott y Barda Free, una habitante del Cuarto Mundo que se transformará en un futuro miembro de la Liga de la Justicia. Su uniforme evoca la armadura de su madre Big Barda con el esquema de colores del traje de su padre Mister Miracle.

AQUAMAN I

Este personaje tiene la figura real adecuada para los tiempos de Kingdom Come. La atractiva Dolphin es su reina.

ATOM SMASHER

Es el ex-héroe llamado Nuklon del grupo Infinity Inc.

THE BAT-KNIGHTS

Cuando Batman se retira de su actividad, robots centinelas bajo su comando patrullan las calles de Ciudad Gótica. Sus estructuras se basan en el clásico Batimovil de los años 50.

BATMAN

La mayor parte de los conceptos de Batman se centran en diferentes variantes de exoesqueletos que son usados por Bruce Wayne. Los primeros diseños son una suerte de retrofuturista armadura medieval.

Los intrincados yelmos y ensamblajes fueron finalmente descartados a favor de un look tipo Dark Knight, con influencias del estilo Batman Animated Series a cargo de Bruce Timm, al que se agregó tecnología.

Ross pidió ayuda a Barry Crain y Dave Williams (animador de la Warner Bros.) para que realizara este diseño de la armadura de Batman.

BATWOMAN Y BAT-HOUND II

Son aliados de Batman provenientes del Cuarto Mundo.

BLACK CANARY III

Este personaje es la tercera generación de luchadoras contra el crimen, hija de Dinah Lance y Oliver Queen. A diferencia de los sugerentes uniformes de sus predecesoras, el traje de esta nueva Canario Negro es una armadura de alta tecnología, en donde se incluyen las armas usadas por su padre.

BLUE BETTLE II

LA HIJA DE BRAINIAC

Originalmente llamada XTC en los bocetos tempranos realizados por Ross. Su aspecto es bastante parecido al de Supergirl.

BULLETMAN Y BULLETGIRL

Estos personajes son un homenaje al muñeco de acción GI Joe Bulletman.

CAPITÁN MARVEL

En sus primeros diseños Alex Ross utilizó como modelo a un viejo actor llamado Fred McMurray, que a su vez fue la figura que usó C. C. Beck como fuente de inspiración para la creación del personaje en la década del 40.

FLASH

Se trata de Wally West que adopta las 3 facetas del personaje desde su creación en los años 40.

THE GOLDEN GUARDIAN II

GREEN ARROW I

En sus primeros esbozos, Flecha Verde era parecido al personaje aparecido en Batman: The Dark Knight Return pero con el rostro del actor Sean Connery cuando hizo el papel de Robin Hood en el film Robin y Marian (en este caso interpretado por Canario Negro II).

GREEN LANTERN

Se trata de Alan Scott, el Green Lantern de la Edad de Oro. Su linterna se ha transformado en una armadura, que a su vez resulta ser una fuente de energía perpetua.

HAWKMAN Y HAWKWOMAN

Ross realizó numerosa cantidad de diseños de Hawkman para Kingdom Come. Algunas se basaban en la historia de la reencarnación egipcia y otras en la versión de los Hombres Halcon que aparecían en el Flash Gordon de Alex Raymond. Su cuerpo está habitado por el espíritu del Hombre Halcón de la Golden Age.

Los diseños de Hawkwoman se basan en la guerrera thanagariana vista en los comics de Animal Man y Swamp Thing.

HOURMAN III

THE HUNTRESS III

Los bocetos de esta nueva Cazadora se basan en las características de Wolfgirl, un personaje femenino que aparecía en la tira de Li´l Abner de Al Capp. Posteriormente le imprimiría las características africanas que pueden ser vistas en las dos imágenes que se encuentran aquí abajo.

IRON COURTAIN

Este héroe fue diseñado por Barry Crain.

IBN AL XU´FFASCH

Su nombre significa "Hijo del murciélago". Este personaje, hijo de Batman y Talia Al Ghul, fue creado por Ross cuando era niño. Posteriormente sería rediseñado en 1984.

JADE

Es la nueva Linterna Verde del universo Kingdom Come e hija de Alan Scott.

KID FLASH II

Es la hija del Kid Flash original.

KING MARVEL Y LADY MARVEL

Originalmente llamado Comandante Marvel, Ross redefinió a Capitán Marvel Jr. otorgándole un aspecto similar al “Rey” Elvis Presley. Lady Marvel (antes conocida como Mary Marvel) conserva la capa clásica de la familia Marvel.

KOBRA

LIGHTNING II

Es la hija de Black Thunder y, aparentemente, de la heroina Jonni Thunder de la década del 80.

LEGIONARIOS

De izquierda a derecha: Shadow Lass, Timber Wolf y Dragonmage.

NIGHTSTAR

Creación de Ross cuando era un niño. Resulta evidente el parentesco con Nightwing y Starfire.

OBSIDIAN

Tomando como base al famoso personaje de las novelas pulp llamado La Sombra, Ross recreo un Obsidian muy parecido a este héroe de la década del 30.

ORION

Este personaje ha tomado el puesto de regente de Akopolips, reemplazando a Darkseid al que supuestamente ha matado. Es notorio el cambio aspecto que ha sufrido, pareciéndose a su malvado progenitor.

PHANTON LADY III

Como suele ser costumbre en Ross, su versión de esta heroína rememora a la figura de la sensual modelo del pin-up llamada Bettie Page.

PEACE MAKER

Los diseños de la armadura se basan en el cazarecompensas Bobba Fett de la película Star Wars.

PHOEBUS

Es el nuevo elemental del fuego, destinado a ser el sucesor de Firestorn en el universo Kingdom Come. Este personaje es una creación del propio Alex Ross.

PEPPERGUARD

Estos robots, que remedan a la famosa banda de Liverpool, son una suerte de Transformers que pertenecen a la Liga de la Justicia Kingdom Come que se halla liderada por Superman.

PLASTIC MAN

POWER MAN Y MYSTERY MAN

THE RED ROBIN

Tomando como fuente de inspiración los dibujos de Bob Kane, Dick Sprang y Bruce Timm, Alex Ross diseñó esta versión de Robin. Nótese que el escudo es similar al de Hawkman y los Blackhawks. Es el ex-Nightwing.

RED ARROW Y RED HOOD II

Red Arrow, según la reinvención realizada por Alex Ross, era el antiguo compañero de Flecha Verde conocido como Speedy.

Red Hood II es la hija de este y la asesina Chesire. Su traje se basa en el primer superhéroe arquero que se llamaba The Arrow.

SHOGUN

Este diseño, realizado por Aldrin Aw, como como base de su creación al popular Manga/Anime llamado Guyver.

STARMAN VII

Es el antiguo Star Boy de la Legión de Super-Héroes. Su diseño está basado en un personaje creado por Ross cuando tenía 11 años.

SUPERBOY Y SUPERGIRL

Ambos héroes han viajado al futuro y se han unido a la Legión de Super-Héroes. Sus diseños son una amalgama de elementos contemporáneos y clásicos.

SUPERMAN

Es sin duda uno de los personajes más importantes de esta miniserie. Los bocetos que pueden verse a continuación, nacieron a partir de los diseños originales realizados por Joe Shuster y los dibujos animados de los hermanos Fleisher. La famosa S se vuelve más estilizada y oscura en la versión Kingdom Come, acorde a los tiempos en los cuales se desarrolla la historia.

SVASTICA

THE RAY

TROIA

TULA

Los diseños originales de este personaje rememoran al clásico del cine de ciencia ficción El Monstruo de la Laguna Negra. Posteriormente obtendría la armadura que se ve en la segunda ilustración, la cual fue creada por Dan Akins.

WILDCAT III

WONDER WOMAN

Este es el personaje que menos modificaciones tuvo, aunque Alex Ross le dio el aspecto de una mujer guerrera y no el de una modelo.

DRAGÓN, SAMURAI Y COSACO

Estos héroes están inspirados en la figura de Batman, correspondientes a sus respectivos paises.

MENAGERIE

Se trata del antiguo Changelling/Beast Boy de los Nuevos Titanes. En el universo Kingdom Come solo puede transformarse en animales imaginarios. Su forma permanente recuerda a de los monos voladores que aparecen en la novela El Mago de Oz.

DEADMAN

Se basa en los dibujos realizados por Kelley Jones en la miniserie "Amor Después de la Muerte".

MR. TERRIFIC III

Este personaje no tiene nada que ver con el original. Fue diseñado originalmente por Barry Crain.

LA QUINTAESENCIA

Son las cinco personas del cosmos con más poder espiritual. De izquierda a derecha: El Fantasma Desconocido, Shazam, Ganthet -el último guardian de Oa-, Highfather de Nueva Génesis y el dios griego Zeus.

EL ESPECTRO

POWER WOMAN

Es la antigua Power Girl, algo mayor pero con su uniforme original.

NORMAN MCCAY

A pesar de no ser un superhéroe, es uno de los personajes principales de Kingdom Come. Su humanidad se encargará de encauzar al caótico futuro que parece estar cayendo sobre el planeta.

Bocetos de las páginas 159 a 161.

Boceto de una página inédita, en donde Superman visita a Orión en Akopolips. Esta escena aparecería en futuras recopilaciones de la serie.

Otros bocetos realizados para la serie. El primero de ellos fue una idea para la impresión de remeras (¡Este Alex se las piensa todas!)

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BASUREARTE

July 23, 2013, 7:01 pm

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El texto corresponde a uno de los cuentos presentes en el libro “MODERAN”, escrito por David R. Bunch (1925-2000) y publicado por Avon Books en 1971.

Las esculturas, que están realizadas con chatarra, son obra de los escultores Ale Curtto y Damian Casarrubia.

Las fotografías fueron tomadas por quien les escribe en el Centro Cultural Marcó Del Pont, que se halla situado en la calle Artigas 202 del barrio de Flores.

BATALLA GANADA

Cuando puse en ON el gran interruptor naranja y la energía asió nuestro complejo, fue un día de orgullo.

Por todo lo alto. La luz se encendió en la torre de nuestra bandera mientras el estandarte se apropiaba de su espacio en lo alto de Fortaleza 10 y estuvimos en marcha, comprometidos. Y anunciados.

A través de las escobillas de hierro de sus pies, inmóviles o andando, los hombres de armas extraían energía del suelo energético; mi metal empezó a zumbar y bullir, y mis tiras de carne fueron alimentadas forzadamente con un vivificante elixir de EMPUJE. Este momento especial de progresar hasta Rey sólo puede ocurrir una vez en la vida de un hombre de Fortaleza; el tiempo, el tiempo jamás hará una visita idéntica. Yo viví mi momento hasta el borde cimero-cimero.

Yo estaba de puntillas con mi sentido de misión y mi sentido de orgullo. Estar en la casa del poderoso, ¡ser un REY! Era un instante para pensar en viejas derrotas; era un instante para saber cómo debían pagarse todas las deudas. Con balas, granadas, golpes y obliteración. Con completa y excelente fruición. Cancelado.

¡SI! ¡Ser un hombre de metal para siempre!, tan sólo con unas pocas tiras de carne minimizando ¡mi ruda personalidad! ¡La MUERTE yacía derrotada! El TIEMPO estaba vapuleado, flagelado por la Fortaleza. MIEDO era una cosa abatida a balazos. Yo disponía de eones y eones y eones para estremecer al criminal mundo por su avaricia, por los temores causados, por los aspectos totales de la duda. Tendría tiempo ilimitado para gastar mi rabia, exigir mi revancha. Y eso, simplemente, podía requerir tanto-tanto tiempo...

Consideren lo que había sido el hombre a partir del aterrador-carnoso día de su nacimiento. CONSIDEREN. No transcurría un segundo, no se movía un átomo, no transpiraba una acción en el espacio — ¡EN NINGUNA PARTE!- que no fuera una amenaza totalmente notoria para el hombre. Cómo se agazapaba entre las zarpas del mundo, bajo las gigantescas garras del riesgo, pulposo, enteramente vulnerable..., y temeroso.

El hombre no podía dar un paso, no podía tratar de lograr otra recompensa que no fueran los perros del miedo aullando y los chacales del retroceso apareciendo para decir, ¡RETROCEDE! ¡NO ES PARA TI!

Y cuanto más intentaba vencer y cuanto más porfiaba en atacar de un modo efectivo, tanto más deprisa profundizaba hacia la derrota total de su tumba. ¡No había victoria alguna! Yo envidiaba a las rocas, en aquellos tiempos; envidiaba a los pilares de piedra, a los huesos viejos; yo envidiaba al mismo aire. Envidiaba incluso a los animales, pues ellos no sabían —pensaba yo— cuan total iba a ser su derrota en la pila de huesos de la muerte. Sólo el hombre lo sabía. ¡EL LO SABIA! Y sin embargo se lanzaba una y otra y otra vez sobre las puertas de hierro del desastre asegurado en la pequeña vida en que navegaba. ¿Admirable? ¡Nada de eso! ¿Estúpido? ¡SI! Incomprensible. Inapropiado. ¿Por qué hacerlo?

Yo no tenía respuesta en mis días pulposos. Sólo tenía temores. Temores largos. Temores cortos. Temores medios. Partes de temores. Temores completos. Temores fragmentados. Temores ficticios. Temores sin razón. Temores irrazonables. Todos los tipos de todos los temores.

Y no obstante... No obstante, yo tenía una especie de coraje en aquellos tiempos. Oh, sí. Una especie de alarde. No me digan que no. Ir a dormir por la noche requería algunas veces de todo el coraje que yo pudiera encontrar en todo mi morral. Enfrentarse a aquella oscuridad, desconocedor, silente y dormido, sin mis usuales centinelas sensoriales fuera, más vulnerable, si cabe, que toda mi vulnerabilidad total en vela... Oh, riesgo total TOTAL.

Y aun así me iba a dormir casi todas las noches a una hora u otra. De manera que me enfrentaba a la Muerte todas las noches. Una noche, todas las noches, mi pequeña muerte que arrostrar. NO ME DIRÁN que yo no tenía problemas en aquellos tiempos... Y después despertar. Oh, qué alivio, sólo por un instante, descubrir que no había muerto. ¡No me dirán que yo no tenía mis victorias en aquellos tiempos!

Pero a continuación las derrotas cercaban con rapidez en pos del instante, completamente viejas, tristes y negras, derrotas acumuladas, para devolverme estrepitosamente a la no-victoria. Dejen que diez pulsos titubeen rápidamente una vez en la casa temblorosa de la sangre del hombre y vean lo que aparece después. Un ataúd con cantos negros y un hombre estrella principal en su interior en un día de ataúd. ¿Qué dios-monstruo del azar armó este titubeante artilugio, ideado para fallar, fallar y fallar y hacernos estremecer de miedo en los garrudos días y las doblemente garrudas noches? ¿Dónde y por qué se ríe ahora ese dios?

¿DONDE Y POR QUE SE RÍE AHORA ESE DIOS? ¡Ahora no se ríe de mí, no...! Y les diré por qué.

Yo soy un señor de Fortaleza, GRANDE, en la plancha blindada de la invulnerabilidad total. Mi munición está amontonada en pilas alrededor, y puedo ganar CUALQUIER guerra. Mis lanzaproyectiles permanecen impacientes en la plataforma de DISPARO, listos, a la velocidad de un pensamiento metálico, para acometer el CHASQUIDO TOTAL.

Mientras el mundo remolinea en el espacio, nuestro planeta descuella ahora intrépido y seguramente indestructible, cubierto —puesto que lo tenemos plasto-revestido, con nada que pueda triturarlo en el gran centro y nada que pueda gastarlo en los lejanos ejes.

Y ahora yo no tengo que envidiar a las piedras, ni a los pilares de piedra. Ni tampoco a los animales. Soy más fuerte que las piedras y más testarudo que los animales.

¡LA CIENCIA HA HECHO UN HOMBRE! ¡EL HOMBRE DE METAL NUEVO! La ciencia ha cubierto y ha vuelto limpia la sucia esfera de la TIERRA para que ese hombre se apoye en ella.

¡SI! Buen plan de la ciencia, ven y trae tu vieja y blanca cabeza y déjame estrechar tu puño. Me has alzado del pozo. Me has salvado de la viscosa oscuridad, la humedad del suelo y los gusanos.

Me honra ser HOMBRE ahora, HOMBRE de metal nuevo. Mientras que otrora me deshonraba ser hombre, verme ridiculizado, escarnecido, sufriendo los abusos de un dios o unos dioses que no dejaban de reír en algún lugar del cielo místico y misterioso o en las cimas de montañas humeantes que tomaban nota de mí en libros mayores de chillona luz. El balance se usaría en mi contra conforme yo reptaba hacia el Juicio. ¿¡Y yo creía todo eso en otro tiempo...!?

Hay que decir de una vez por todas para el crédito total del hombre que aunque él creyera en esas cosas primitivas y extravagantes y estimaba las posibilidades sin esperanza, reaccionaba luchando, ¡siempre! Realmente algo indestructible del hombre debió haberlo salvado para esta victoria completa que yo conozco ahora, el triunfo del metal nuevo, la divinidad de los pocos escogidos, la total seguridad eterna de los Reyes con 'reemplazos'.

Demasiado asustado para marcharse, demasiado asustado para quedarse, atrapado en terreno indefensible, el hombre tragaba aire para la batalla en los escupientes labios de la muerte, ataba su coraje a todos los puños que poseía y rezaba por conclusiones que no fueran insoportables.

Y a veces, de un modo muy sorprendente, ganaba alguna pequeña refriega, aun en la noche más entintada de su desesperación. Otras veces pasaba la prueba con banderas al viento y estruendo de trompetas para contemplar al seguro vencedor. Y en ocasiones pronunciaba discursos para decir que todo era factible y valía la pena. Y vosotros, los pobres diablos carnosos de ahí fuera, sabéis a qué me refiero.

Todas las victorias deben ser duramente obtenidas y temporales para vosotros, y apenas justifican la molestia. Porque debajo de todo eso se esconde la mayor, la más invencible, la más concluyente batalla de batallas. Cualquier victoria alegada HA DE SER condicional y exclusivamente linternas humeantes rodeadas por el negro negrísimo de la oscuridad. OLVIDADLO, pobres diablos carnosos. VOSOTROS no venceréis ahí, y lo sabéis. En la más profunda médula de vuestros temblorosos huesos enfermos de miedo, sabéis que no ganaréis la Batalla de la Muerte... Ni aunque seáis el Papa.

Pero ahora no tenemos que ganar la Batalla de la Muerte. Esa batalla jamás será librada por nosotros.. JAMAS, porque hemos arrollado al Adversario adelantándonos a la batalla que él planeaba.

¡SI! Nosotros somos la sustancia en ejercicio, motora del Sueño Moderano. Hace mucho tiempo nuestros científicos, esos grandes reyes discernidores de los laboratorios, donde las teorías eran sometidas a la prueba de la probeta, vieron que la vida carnosa y la vida vegetal eran en esencia intolerables, improbables, nada plausibles y quizás imposibles en nuestro hogar del globo terráqueo. Si no hubiéramos tenido a estos hombres fríos discernidores madurando junto con los enfangadores, despistados y magos míticos que eran nuestro otro vanagloriado progreso...no sé, con toda franqueza, qué habríamos hecho finalmente. Aquí en este globo que era nuestro amenazado, improbable, impredecible y casi imposible hogar.

Pero ahora nos hallamos en la claridad, gracias a la ciencia, nuestra otrora sucia esfera terráquea está limpia, cubierta de plástico, nuestro apenas usado aire es ahora fundamentalmente un decorado, coloreado bellamente con un tinte distinto para cada mes (¡oh, encantador escudo de vapor!), nuestros océanos en otro tiempo arruinados por la basura están sólidamente congelados, con todos los espacios superfluos arrastrados hace tiempo, y nuestras temperaturas tan apacibles e inalterables como siempre quisimos que fueran, mediante el Control de Estaciones de Central.

¡Y los pájaros...! ¡Los pájaros son ahora de hojalata coloreada! Y todos los animales están provistos de motor, mientras que los árboles sintéticos brincan desde los planeados agujeros de la Tierra y brotan para nosotros hojas 'reales' que sobreviven al proceso.

¡AH, MODERAN! La tierra donde las hojas no caen; la tierra de la tierra plasto-revestida... Dulce dulce mi hogar, duro como un tiesto.

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FRANK R. PAUL: EL FUTURO ES AYER

August 4, 2013, 4:46 pm

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La ciencia ficción, tal cual la conocemos actualmente, tuvo su génesis allá por abril de 1926, cuando el inventor, escritor y editor Hugo Gernsback (1884-1967) publicó la que se transformaría en la primera revista dedicada íntegramente al género de la ciencia ficción llamada Amazing Stories.

Si bien en los primeros números fueron publicadas historias de fantasía y ficción escritas por Edgard Allan Poe, Julio Verne y H. G. Wells, muy pronto aparecerían en sus páginas relatos de autores nóveles que se encargarían de enriquecer aun más dicha revista, permitiendo ingresar a este género en una edad dorada de inolvidables y fantásticas historias.

Amazing Stories tuvo un gran éxito desde el momento mismo de su primera publicación y todo ello se debió a dos factores de suma importancia.

El primero de ellos fueron los escritores que recabaron en sus páginas; entre ellos Ray Cummings, E. E. “Doc” Smith, Murray Leinster, Harry Bates, Edmond Hamilton, Donald Wandrei, Jack Williamson, Donald A. Wolheim y un jovencísimo Robert Bloch; auténticos mentores de toda una futura raza de grandes novelistas, entre los que se cuentan los archiconocidos Ray Bradbury, Arthur C. Clarke e Isaac Asimov.

El segundo factor de importancia para que Amazing Stories alcanzara su status de culto fueron sin dudas las magistrales portadas presentes en dicha publicación, auténticas representantes de una fantástica época llena de desbordante imaginación, las cuales cobraron existencia gracias al exquisito arte del ilustrador Frank R. Paul.

Nacido en Austria en 1884, Frank Rudolph Paul cursó sus estudios de arte en Viena, París y, cuando emigró a los EE. UU., Nueva York. Durante su juventud trabajó como delineante proyectista, dibujante publicitario e ilustrador (principalmente humorístico) en el diario Jersey Journal.

Al ser descubierto por Hugo Gernsback, que por entonces editaba la revista Modern Electrics, este último le pidió a Paul que se encargara de ilustrar dicha publicación de manera regular, una colaboración que continuaría cuando la misma pasó a llamarse Electric Experiments en 1913.

Si bien su trabajo era notablemente bueno, su fama como ilustrador moderno de ciencia ficción la obtendría cuando, junto al mismísimo Gernsback, puso su impronta en la revista Amazing Stories, para la cual dibujaría tanto las portadas como los interiores hasta junio de 1929.

Posteriormente, extendería su labor creativa hacia otras publicaciones de Gernsback Publications (Air Wonder, Science Wonder, Wonder Stories y Wonder Stories Quaterly), hasta que este vendió todo en 1936, y en la revista Marvel Science Stories durante 1931-32. También tuvo una pequeña incursión en el terreno de los comics, cuando realizó la portada de la revista Marvel Comics Nº 1 (octubre de 1939) en donde vivían sus aventuras La Antorcha Humana original y Namor.

Luego de culminada la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Paul volvió al medio junto a Gernsback y se convirtió en el director artístico de la efímera revista Science Fiction Plus. Posteriormente realizaría trabajos esporádicos para varios editores, hasta su muerte acaecida el 29 de junio de 1963.

Junto a Virgil Finlay y Johannes Hook, Frank R. Paul ha sido considerado como uno de los los más célebres ilustradores de la edad de oro de la ciencia ficción y sus obras reflejan de manera inimitable los ideales y la imaginación de los lectores de aquellos tiempos.

Según palabras del propio Paul, los dibujos en blanco y negro le llevaban un día en tanto que las ilustraciones a color presentes en las portadas le insumían una semana de trabajo. Sus inicios artísticos en el terreno de la arquitectura le sirvieron de mucho para crear a las ciudades futuristas, las increíbles maquinarias y las civilizaciones alienígenas nacidas de su fértil creatividad. Sus versiones de los tiempos por venir incluso han sido comparadas con los dibujos realizados por el francés Albert Robida a fines del siglo 19.

La técnica que usaba estaba basada en el principio de la multiplicación de la imagen (nacida de su experiencia como ilustrador publicitario), principalmente en lo que respecta al diseño de los vehículos, máquinas y sobre todo de las ciudades. Este sistema de dibujo inspiraría la labor artística de muchos ilustradores modernos.

Ningún otro como Frank R. Paul ha sabido captar con precisión ese sentido de lo maravilloso que tanto gusta a aquellos que amamos la ciencia ficción. Sus ilustraciones, repletas de ingenuidad y nostalgia, han sabido perdurar en el tiempo a pesar de las décadas transcurridas desde su concepción.

Fuentes consultadas

-El Universo de la Ciencia Ficción- Sergio Gaut Vel Hartman- Círculo Latino S. L.

-Nueva Dimensión Nº 75: Historia de la Ciencia Ficción- Sam J. Lundwall- Ed. Dronte

-Nueva Dimensión Nº 116 : Portfolio Paul -Domingo Santos- Ed. Dronte

-GALERÍA DE IMÁGENES-

PORTADAS

OTROS MUNDOS, OTRAS VIDAS

-CITY ON JUPITER (FANTASTIC ADVENTURES -1940-)

-AMAZING STORIES (OCT. 1945)

-A RESCUE FROM JUPITER (WONDER STORIES -1930-)

-AS MARS SEES US-

-BETWEEN EARTH AND MOON (WONDER STORIES QUATERLY -1930-)

-CITY ON MARS (1940)-

-CITY ON MERCURY (1940)-

-CITY ON NEPTUNE (1940)-

-CITY ON PLUTO (1940)-

-CITY ON VENUS (1940)-

-CRYSTALLIS, GLASS CITY OF IO (1940)-

-AMAZING STORIES QUATERLY (1929)-

-GOLDEN CITY OF TITAN (AMAZING STORIES -1941)-

-LIFE ON IO (FANTASTIC ADVENTURES -1940-)

-LIFE ON JUPITER (FANTASTIC ADVENTURES -1940-)

-LIFE ON MERCURY (FANTASTIC ADVENTURES -1939)

-LIFE ON NEPTUNE (FANTASTIC ADVENTURES -1940-)

-LIFE ON PLUTO (FANTASTIC ADVENTURES 1940-)

-LIFE ON SATURN (FANTASTIC ADVENTURES -1939-)

-LIFE ON URANUS (FANTASTICA ADVENTURES -1940-)

-LORD OF TRANERICA (DYNAMIC SCIENCE STORIES -1960-)

-MARVEL SCIENCE STORIES (1939)

-DERELICT´S GANYMEDE (WONDER STORIES)

-DUEL ON ASTEROID (WONDER STORIES)-

-ETERNAL WORLD (WONDER STORIES)-

-MARTIAN GUNS (WONDER STORIES)-

-MOON ERA (WONDER STORIES)

-MUTINY MERCURY (WONDER STORIES)-

-RADIUM WORLD (WONDER STORIES)-

-SKYLARK OF SPACE (AMAZING FANTASY)-

-SPACE ELEPHANTS-

-THE VANGUAR TO NEPTUNE (WONDER STORIES QUATERLY -1932-)

-STORIES OF THE STAR: ALDEBARAN (1943)-

-THE MAN FROM MARS (FANTASTIC ADVENTURES -1939)-

-THE MAN FROM VENUS (FANTASTIC ADVENTURES -1939)-

UNA VENTANA HACIA EL FUTURO

-1939-

-RALPH 124C41+ (AMAZING STORIES QUATERLY -1929-)-

-10.000 YEARS HENCE: A PREDICCION-

-THE CRYSTAL EGG (AMAZING STORIES -1926-)-

-THE INFINITE VISION (AMAZING STORIES -1926-)

-A STORY OF THE DAYS TO COME (AMAZING STORIES -1928)-

-BARON MUNCHHAUSEN´S NEWS SCIENTIFIC ADVENTURES (AMAZING STORIES -1928)
ILUSTRACIÓN BASADA EN UNA SERIE DE RELATOS ESCRITOS POR HUGO GERNSBACK
ENTRE 1915 Y 1917-

-CITY OF THE FUTURE-

-IN THE ABYSS-

-MARVEL SCIENCE STORIES (1938)-

-MARVEL SCIENDE STORIES (1938)-

-TIME RADIO (MARVEL SCIENCE STORIES -1938)

PHANTOM SHIP (AMAZING STORIES)-

-CRYSTAL EMPIRE (WONDER STORIES)-

-FINAL WAR (WONDER STORIES)-

-TIME STREAM (WONDER STORIES)-

-RALPH 124C 41+ (AMAZING STORIES QUATERLY -1929)-

-SCIENCE FICTION (1939)-

-APOCALIPTIC NEW YORK (WONDER STORIES -1933)-

-THE BIOLOGICAL REVOLT-

-THE METAL WORLD (SCIENCE WONDER STORIES -1929)-

-THE RETURN OF AIR MASTERS (AIR WONDER STORIES -1930)-

-THE COMET DOOM (AMAZING STORIES -1928)-

-THE INFINITE BRAIN-

-THE ISLAND OF DR. MOREAU-

-THE MAN FROM THE ATOM (AMAZING STORIES -1926)-

-THE MAN WHO AWOKE (WONDER STORIES -1933)-

-THE MAN WHO SAVE THE UNIVERSE (AMAZING STORIES -1926)

-THE MOON DOOM (AMAZING STORIES QUATERLY -1928)-

-THE NTH MAN (AMAZING STORIES -1926)-

-THE REVOLT OF THE PEDESTRIANS (AMAZING STORIES -1935)-

-THE ROBOT ALIEN (WONDER STORIES -1935)-

-THE TIME OSCILLATOR (SCIENCE WONDER STORIES -1929)-

-TIME MACHINE-

-WAR OF THE WORLDS-

-WONDER STORIES (1931)-

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HUMILLE MAESTRO (7): STEPHEN YOULL

August 11, 2013, 4:28 pm

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«Uno de los mejores y más únicos talentos de la ciencia ficción - Un artista cuyo extraordinario don para la visualización hace que lo inimaginable sea real incluso para tocarlo.»

C. J. Cherryh

La ciencia ficción no tiene límite alguno mientras exista alguien que imagine nuevos e increíbles universos en donde el sentido de lo maravilloso siga persistiendo.

Nuestro inevitable anclaje sobre el suelo de este planeta, situado en uno de los barrios más lejanos de la galaxia,no es óbice para que nuestras miradas y nuestros pensamientos se dirijan una y otra vez hacia esas lejanas estrellas que día a día que, merced a la realidad cotidiana que agobia con saña nuestras existencias, se han transformado en una meta muy difícil de ser alcanzada.

Afortunadamente, en esta pequeña bola de barro existen gran cantidad de soñadores que imaginan esos distantes mundos y entre ellos hay algunos que han logrado plasmar dichas ensoñaciones en hojas de papel o en la tela colocada sobre un atril.

Tal es el caso de este extraordinario ilustrador cuyo encomiable trabajo, rebosante de imaginación y detallismo, lo ha convertido un apreciado realizador de numerosas portadas de libros dedicados al género de la ciencia ficción y la fantasía.

Nacido el 8 de junio de 1965 en Hartlepool (Inglaterra), Stephen Youll estudió en el Durham New College of Art & Desing y en la Sunderland University, graduándose de la misma con honores.

Su carrera dio inicio cuando, junto a su hermano gemelo Paul, presentó sus trabajos en la 45º Convención Mundial de Ciencia Ficción del año 1987. Con este también realizaría su primera ilustración profesional, al confeccionar la portada de la novela Emerald Eyes de Daniel Keyes Moran para la editorial Bantam Books. En un principio, continuó la colaboración entre ambos hermanos, hasta que Stephen se casó con Jamie Warren (directora artística de Bantam Books) y se fue a vivir a los EE.UU en el año 1989.

Sus ilustraciones, realizadas con pintura acrílica y con oleos, se caracterizan por el extremo realismo impuesto en sus figuras (humanas o no) y en las escenas descriptas por sus hábiles trazos. Esa gran habilidad lo ha convertido en un cotizado artista, una virtud que lo llevaría a trabajar en las grandes editoriales como Bantam Books, Ballantine/Del Rey, Penguin Books, Tor Books, Harper Collins, Warner Books, Avon Books, DC Comics, Dark Horse Comics, la corporación IBM, Sony, Universal Studios y Hamilton Plates.

Exhibido tanto en EE.UU. como en Inglaterra, las obras de Youll han recibido numerosos premios tanto en exposiciones como en las convenciones dedicadas al género de la ciencia ficción.

Entre los muchos libros que se han encargado de publicar sus trabajos están los editados por Spectrum Art Books (The Universes of Margaret Weis, Tracy Hickman: Realms of Dragons e Infinite Worlds) y su libro The Art of Stephen Youll: Paradox, que contiene más de un centenar de sus pinturas y dibujos.

Algunos trabajos realizados junto a su hermano Paul Yeoull

-Emerald Eyes (1988) - Daniel Keyes Moran
-On My Way to Paradise (1989) - Dave Wolverton

-Infinity Hold - Barry B. Longyear
-Shaping the Dawn - Sheila Finch
-To the Land of the Living - Robert Silverberg
-The Atheling - Grace Chetwin
-A Fire in the Sun - George Alec Effinger
-The Exile Kiss - George Alec Effinger
-Lord of Snow and Shadows - Sarah Ash
-The Garden of the Shaped - Sheila Finch
-A Feast for Crows - George R.R. Martin
-Mistress of Dragons - Margaret Weis
-Beauty - Sheri S. Tepper

-The Gates of Winter - Mark Anthony
-Fool's Errand - Robin Hobb
-Golden Fool - Robin Hobb
-Hung Out - Margaret Weis and Don Perrin
-A Forest of Stars - Kevin J. Anderson
-Hidden Empire - Kevin J. Anderson
-Defender - C.J. Cherryh
-Gojiro - John Barnes
-The Wellstone - Wil Mccarthy
-The Collasium - Wil Mccarthy
-The Green Brain - Frank Herbert

-The Eyes of Heisenberg - Frank Herbert

Trabajo en solitario

-Gojiro (1991) - Mark Jacobson
-The Hammer of God (1993) - Arthur C. Clarke
-A Grave Talent (1993) - Laurie R. King
-"Greater Foundation" series - Isaac Asimov
*The Caves of Steel (1990s cover)
*The Positronic Man (1993) con Robert Silverberg
*Foundation (1990s cover)

-I, Robot (1990s cover) - Isaac Asimov
-Alien Influences (1994) - Kristine Kathryn Rusch
-The Seventh Gate (1994) - Margaret Weis& Tracy Hickman
-Star Wars short story collections
*Tales from the Mos Eisley Cantina (1994)
*Tales from Jabba's Palace (1995)
*Tales of the Bounty Hunters (1996)
-Finisterre Universe - C. J. Cherryh
*Rider at the Gate (1995)
*Cloud's Rider (1996)
-Alliance-Union Universe - C. J. Cherryh

*Finity's End (1997)
-A Song of Ice and Fire series - George R. R. Martin
*A Game of Thrones (1996)
*A Clash of Kings (1998)
*A Storm of Swords (2000)
-The Bounty Hunter Wars trilogy
*The Mandalorian Armor (1997)
*Slave Ship (1998)
*Hard Merchandise (1998)
-Foreigner Universe - C. J. Cherryh
*Precursor (1999)
-Dune series
*House Atreides (1999)
*House Harkonnen (2000)
*House Corrino (2001)
*The Butlerian Jihad (2002)
*The Machine Crusade (2003)
*The Battle of Corrin (2004)
*The Road to Dune (2005)
*Hunters of Dune (2006)
*Sandworms of Dune (2007)

-GALERÍA DE IMÁGENES-

-A Clash Of Kings-

-A Dark And Hungry God Arises-

-A Game Of Thrones-

-A Game of Thrones-

-A Mighty Fortress-

-A Storm Of Swords-

-Alien Influences-

-Assassins Quest-

-Beauty-

-Beyond The Pale-

-Blade Runner Replicant Night-

-Blindfold-

-Blue-

-Boudica Dreaming the Eagle-

-Candle-

-Cloud´s Rider-

-Dark_Sky_Legion-

-Defender-

-Dreams Of Gods And Men-

-Dune: House Atreides-

-Dune: House Corrino-

-Dune: House Harkonnen-

-Emerald Eyes-

-Exiles Challenge-

-Exiles Children-

-Eyes Of Silver-

-Finity´s End-

-Forbidden Knowledge-

-Forward The Foundation-

-Foundation And Empire-

-Foundations Edge-

-Garden Of The Shaped-

-Ghost Legion-

-Gojiro-

-Gravity Dreams-

-Hammer And Anvil-

-Horizon Storms-

-Hung Out-

-I, Robot-

-Into The Labyrinth-

-King´s Sacrifice-

-King´s Test-

-Letter´s From Atlantis-

-Limit Of Vision-

-Lord´s Of The Sky-

-Mad Ship-

-Man In The Blue Mask-

-Metal Swarm-

-Murasaki-

-Pebble In The Sky-

-Playing God-

-Precursor-

-Prelude To Foundation-

-Rama Revealed-

-Reluctant Voyagers-

-Requiem of Stars-

-Return To Sypher-

-Robot Blues-

-Sam Gun Unlimited-

-Sandworms of Dune-

-Scissor Cut Paper Wrap Stone-

-Second Foundation-

-Star Crossed-

-The 7th Gate-

-The Addamantine Palace-

-The Blessing-

-The Blood Knight-

-The Broken God-

-The Broken Land-

-The Caves Of Steel-

-The Company Of Glass-

-The Currents Of Space-

-The Dark Remains-

-The Dragon in the Sea-

-The Dragon's Son-

-The Empire Stone-

-The Hidden Empire-

-The Keep Of Fire-

-The Knights Of The Black Earth-

-The Lost King-

-The Man Who Stayed Behind-

-The Martian Race-

-The Naked Sun-

-The Positronic Man-

-The Price Of Ransom-

-The Riddled Night-

-The Robots Of Dawn-

-The Sage-

-The Shaman-

-The Stars Like Dust-

-The Warrior King-

-The Way Of The Rose-

-The_Broken_Land-

-The_Quiet_Invasion-

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ARTHUR TRESS: LA INIQUIDAD DE LAS SOMBRAS

August 19, 2013, 2:05 pm

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En nuestro muy racionalista siglo XXI, todavía existen algunas tribus que siguen creyendo que el tomarles una foto es una manera insidiosa de atrapar sus almas inmortales.

Muchos de nosotros, evidenciando un oculto desprecio por las supersticiones de esos pueblos a los que llamamos primitivos o, en el peor de los casos, salvajes, solemos reírnos ante esa insólita y ridícula creencia.

El hombre “civilizado”, ahíto de computadoras, celulares, tablets, televisores inteligentes y otros ingenios de similar factura, nos sentimos seguros tras nuestra tecnocrática sociedad ultramoderna.

Nuestros dioses parecen ser más poderosos que los de ellos.

Pero, comparando ambas creencias, me pregunto...

¿Cuál es la auténtica diferencia entre ese hombre primitivo y su contrapartida moderna?

¿Quién se encuentra realmente atrapado en el interior de una caja?

¿Es que quizá tras esa simple creencia se esconde una perversa realidad?

No cabe duda que la fotografía captura momentos de nuestras vidas, pequeños sucesos que perduran en el tiempo y que incluso van más allá de nuestra propia vida mortal. Son recuerdos de épocas que se encuentran perdidas en esa oscura vorágine de pasados que habita en lo profundo de nuestras mentes.

Ningún ser humano ha podido sustraerse de esa fanática obsesión por retratar sus pasos por este mundo. Millones de fotografías hay llenado miles de álbumes o sistemas digitales de almacenamiento y es así como la fotografía se ha transformado en una parte indisoluble de nuestra cotidianeidad.

A pesar de ello, muy pocos han logrado trascender más allá del simple retrato familiar o turístico, ofreciéndonos un universo de nuevas probabilidades estilísticas dignas de ser tenidas en cuenta. Esos individuos han sabido captar, a través de la lente, situaciones que suelen pasar desapercibidas para el común de la gente.

Uno de ellos, considerado como uno de los grandes fotógrafos de mediados del siglo XX, es Arthur Tress, cuyos trabajos de carácter surrealista han sabido trascender con creces este singular medio de expresión artística.

Nacido el 24 de noviembre de 1940 en Brooklyn (Nueva York), Tress se inició en el terreno de la fotografía, cuando su padre le regalara una cámara a la edad de 12 años. Con ella pasó una gran parte de su tiempo libre fotografiando parques de diversiones abandonados, edificios en ruinas y fenómenos de circo.

Luego de graduarse en el Bard College con una licenciatura en bellas artes (1962), viajó a Paris para estudiar cine. También tuvo la oportunidad de visitar Japón, África, Asia y gran parte de Europa, permitiéndole tomar contacto con tribus y culturas muy diferentes entre si.

Debido a su gran interés por la fotografía etnográfica, su primer trabajo fue el de fotógrafo oficial para el gobierno de los EE.UU. a fin de retratar las culturas populares que se encontraban en peligro de desaparecer. Ello le permitió ser testigo de la destrucción causada por la extracción indebida de los recursos naturales por parte de las grandes empresas, las cuales no respetaban ni la tierra ni a los habitantes asentados en ellas.

En 1964 se trasladó a la ciudad de San Francisco, en donde se dedicó a tomar fotos de una convención republicana, manifestaciones por los derechos civiles y la gira de Los Beatles en los EE.UU. Este material, redescubierto en 2009 por el mismísimo autor, evidencia desde temprano su interés por el poder de la cámara fotográfica como medio para reflejar los cambios sociales de la época que le tocó vivir.

Dichas imágenes no son las típicas postales turísticas que puede ofrecer una gran ciudad. Gracias a ellas podemos ser testigos de la vida cotidiana y las pequeñas cosas buenas y malas que forman parte de una sociedad.

Pero el aporte más significativo y apreciado de Arthur Tress es su trabajo en el terreno del surrealismo, desarrollado hacia fines de los 60 y principios de los 70. Dichas obras, inspiradas en una suerte de realismo mágico que entremezcla la vida cotidiana con lo fantástico y lo onírico, muchas veces rayan con una chocante y revulsiva oscuridad que nos hace estremecer de manera casi inconsciente.

Las pesadillas infantiles, los desnudos masculinos que exploran la propia homosexualidad del autor, los incoherentes laberintos, las siniestras criaturas enmascaradas y las sombras apenas vislumbradas en los bizarros paisajes o ambientes que retrata, son muestra más que suficiente de su gran talento artístico.

Si bien en la década del 90 exploró la fotografía a color, sus mayores logros residen en el blanco y negro, una técnica que le ha sido fiel a la hora de retratar esos perversos universos que tan bien sabe recrear.

Sus colecciones han sido expuestas en numerosos lugares a lo largo de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte, la Biblioteca Nacional de París, en Centro Georges Pompidou, el Museo de Arte de la Ciudad de Los Angeles y el Museo de Arte Moderno de San Francisco, y también han sido editados varios libros que se han dedicado a mostrarnos su extensa obra.

Nadie como Arthus Tress ha sabido captar ese sobrecogedor y fascinante mundo de sombras que rodean nuestras existencias cotidianas. Su cámara y su perspicaz visión se encargan de mostrarnos esa oscura alma que se esconde tras esa civilización que nos ha tocado en suerte.

Quizá, después de todo, esos hombres que tan despectivamente llamamos primitivos y salvajes tengan algo de razón.

¿Qué opinan ustedes?

-GALERÍA DE IMÁGENES-

SAN FRANCISCO
En sus inicios, y antes de poder afinar su arte, Arthur Tress tuvo que ganarse la vida como reportero. De esta época provienen 70 fotos que retratan la vida de la Ciudad de San Francisco en el año 1964, una época caracterizada por sus profundos cambios socio-políticos y culturales. Dichos trabajos habían sido totalmente olvidados por su propio autor, el cual las encontró en una caja que se hallaba en el desván de la casa de su hermana. El fotógrafo decidió donarlas para que fueran exhibidas en el Museo Young de San Francisco en 2009.

Según diría James Ganz, curador del museo:- "Esta muestra es como una evocadora cápsula del tiempo y una fascinante contribución del legado fotográfico de Tess"

PESADILLAS INFANTILES

SOMBRAS

OTROS

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TIEMPOS DE CRISIS

August 30, 2013, 12:00 pm

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Cuando allá por 1985 la Editorial DC decidió encarar una renovación total de su línea editorial, que se encargaría de eliminar las inconsistencias de continuidad y el caos generado por la mediocridad argumental de los comics de superhéroes, nunca llegó a imaginarse que una maxiserie se transformaría en todo un hito comiquero.

Crisis en Tierras Infinitas, creado por el tándem Marv Wolfman/George Perez, se transformó en la piedra basal del futuro del Universo DC, el cual pudo acceder a un nivel de calidad mucho mayor que el que venía trayendo hasta entonces… bueno, no tanto porque no pasaría demasiado tiempo para que todo volviera a transformarse en transformarse en un nuevo desbarajuste.

A pesar de esto último, Crisis en Tierras Infinitas no perdió vigencia en lo absoluto, demostrándonos que las grandes historias persisten a pesar del tiempo transcurrido.

REPORTAJE APARECIDO EN CRISIS EN TIERRAS INFINITAS Nº 2- Editado por Editorial Zinco- España

Marv Wolfman (Guionista)

“Hay muchas cosas en Crisis de las que me siento orgulloso. En primer lugar, la historia. Resulta coherente… lo que, después de 12 números con tantos personajes y situaciones, me satisface enormemente.

Luego, el desarrollo de los caracteres. Los lectores pueden confiar en ver actuar los personajes tal como se supone que deben hacerlo, nada fácil teniendo en cuenta que muchos de ellos aparecen por primera vez después de muchos años de olvido.

Estoy contento de que, en general, no se deba conocer en detalle a los personajes para comprender y disfrutar los episodios. Procuré escribir Crisis con ese propósito, dando la información suficiente para que se supiera de éste o aquel personaje existía, pero sin darle excesiva importancia para que, en caso de no conocerlo, ello no afectara de forma esencial la historia.

El concepto básico que me planteé desde el principio fue que después de Crisis nadie del nuevo universo (salvo algunas excepciones) recordara lo sucedido. Me horrorizaba la idea de que durante los próximos 20 años, todo el mundo aun discutiera las diferencias entre el antiguo Multiverso y el actual. Eso no haría más que evocar el fantasma de las Tierras múltiples y el esfuerzo de Crisis no hubiera servido para nada. Por eso, como parte del plan que culmina en los episodios 10 y 11, quedó establecido que solo los héroes recordarían lo sucedido.

La mayor parte del trabajo de Crisis fue la colaboración con George Perez. Cuando empezó a ayudarme en los guiones me quitó muchas preocupaciones de encima. Los primeros cuatro números fueron difíciles porque estaban llenos de sub-argumentos. George, con su prodigiosa memoria, contribuyó a clarificar los siguientes capítulos y, sobre todo, fue vital en el desarrollo de algunos personajes casi desconocidos, gracias a su exhaustiva documentación. George consiguió además que no me desanimara y siguiera adelante con el proyecto. Por todo ello le doy gracias.”

GEORGE PEREZ (Dibujante)

“Me pidieron que hiciera Crisis por el tratamiento especial de grandeza que requería… y porque soy capaz de manejar muchos personajes a la vez sin dejar de explicar adecuadamente la historia.

Tenía carta blanca de Marv para utilizar los personajes que quisiera, siempre y cuando se ajustaran a la escena y no faltaran los actores básicos en ella. Incluso se me ocurrió poner a algunos personajes de humor de la compañía como Ambush Bug o Sal y Pimienta en posters callejeros o en fotografías formando parte de la decoración. Quería dar una imagen representativa y global de DC Comics. Por eso puse muchos personajes de diferentes épocas juntos en un mismo escenario. La esencia de Crisis como una trama de acción en la que el factor cronológico es muy importante, contribuyó a reforzar esa idea.

Como no podía dibujar de memoria todos los personajes, pedí ayuda a Bob Greenberger para que, como editor, revisara el archivo en busca de referencias visuales. También pedía sugerencias a los compañeros del estudio por si quería que pusiera a algún personaje específico. Aunque no tuviera un interés especial por un personaje en particular, lo dibujé como si fuera mi favorito. Todos los personajes los dibujé con mucho cariño.

Ha sido un trabajo arduo, pero la favorable acogida del público ha resultado muy gratificante. La cantidad de personajes que dibujar y el mantener una línea argumental coherente con cientos de actores supuso un auténtico desafío.

Creo que acertamos al no tomar un camino fácil para presentar la historia. Una obra de esta magnitud, por su propia naturaleza, podría haberse tomado más a la ligera y aun sería un éxito de ventas. Crisis, con toda su carga dramática, es, además, una buena historia.

Marv trabajó duramente en ello y nuestros esfuerzos, al final, se han visto largamente recompensados por el reconocimiento de la crítica y el público.”

-GALERÍA DE IMÁGENES-

PORTADAS

-CRISIS N º 1: ENCUENTRO-

-CRISIS Nº 2: TIEMPO DE ACCIÓN-

-CRISIS Nº 3: DESTINADOS AL OLVIDO-

-CRISIS Nº 4: ... Y LOS MUNDOS MORIRÁN-

-CRISIS Nº 5: MUNDOS EN EL LIMBO-

-CRISIS Nº 6: 3 TIERRAS 3 MUERTES-

-CRISIS Nº 7: MÁS ALLÁ DE LA NOCHE SILENCIOSA-

-CRISIS Nº 8: ¡UN DESTELLO DE FLASH!-

-CRISIS Nº 9: ¡ZONA DE GUERRA!-

-CRISIS Nº 10: ¡MUERTE EN EL ALBA DE LOS TIEMPOS!-

-CRISIS Nº 11: DESPUÉS DEL SHOCK-

-CRISIS Nº 12: CRISIS FINAL-

LOS DIBUJOS AQUÍ ABAJO CORRESPONDEN A "LOS ARCHIVOS DE EL MONITOR". LOS MISMOS NOS PERMITEN APRECIAR LOS SOBERBIOS LÁPICES DE GEORGE PEREZ, SIN NINGÚN COLOR QUE TAPA SU GRAN LABOR ARTÍSTICA.

DETALLE DEL POSTER REALIZADO PARA LA EDICIÓN ESPECIAL DE 1998, LLAMADO CRISIS ON INFINITE EARTHS SLIP CASED HARDCOVER. LOS DIBUJOS CORRIERON POR CUENTA DE GEORGE PEREZ Y ALEX ROSS.

-DIBUJO A LAPIZ REALIZADO POR GEORGE PEREZ-

DISEÑOS DE ALGUNO DE LOS PERSONAJES NUEVOS QUE HACEN SU APARICIÓN EN CRISIS EN TIERRAS INFINITAS.

-PARIAH-

-ALEXANDER LUTHOR DE TIERRA 3-

-HARBINGER-

-LADY QUARK-

-MONITOR Y ANTIMONITOR-

-PARIAH Y DOCTORA LUZ-

-HARBINGER Y EL MONITOR-

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BILL SIENKIEWICZ: AL LÍMITE DE LA REALIDAD (1)

September 8, 2013, 1:37 pm

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-ELEKTRA-

En el vasto mundo de los comics hay dibujantes… y también ¡DIBUJANTES!.

La diferencia entre uno y otro es, por sobre todas las cosas, la cantidad. Dentro de los primeros hay muchos (quizá demasiados) que llenan hojas y hojas de papel con sus trazos y diseños sin aportar absolutamente nada… a excepción de plata para sus bolsillos y el de las editoras para las cuales trabajan.

-BILL SIENKIEWICZ-

Sus ilustraciones carecen de alma o belleza que los distinga de los otros miles de pequeños dibujantes que han sido absorbidos por el Mainstream generado por las codiciosas editoriales, cuyo único interés radica en producir más y peor a fin de alimentar a las vastas legiones de "zombiadictos" que pululan a lo largo de todo el mundo.

Pero, gracias a la providencia, hay unos pocos a los que podríamos llamar (así con mayúsculas) ¡DIBUJANTES!. Personas tocadas por la varita de la creatividad, cuyos trabajos artísticos se encargan de explotar nuestras cabezas. Sus líneas, trazos audaces y su buen gusto (ya sea o no repulsivo o grotesco) se encarga de mostrarnos un camino… un sendero de bellezas sin par que disparan nuestras propias imaginaciones y nuestro sentido de lo maravilloso.

... y uno de estos privilegiados es sin duda alguna el gran dibujante Bill Sienkiewicz.

-VOODOO CHILD-

Nacido el 3 de mayo de 1958 en Blakely (Pensilvania, EE. UU.) con el nombre de Boleslav Felix Robert Sienkiewicz, esta joven promesa estudio dibujo en la Newark School of Fine and Industrial Art de Nueva Jersey.

Sus primeros trabajos profesionales fueron para la Editorial Marvel Comics en Los 4 Fantásticos y Moon Knight, en donde comenzó a experimentar con diferentes técnicas gráficas como el collage. También se encargó de dibujar portadas para Rom, The Mighty Thor, Return of the Jedi y Transformers, entre otros.

Su mayor oportunidad llegó en 1983, cuando comenzó a trabajar en la revista New Mutants junto al guionista Chris Claremont. Allí tuvo total libertad creativa, que se tradujo en una serie de dibujos sorprendentes de carácter casi abstracto que sorprendieron a los lectores de la serie.

En 1986 se encargó de ilustrar Elektra Asesina, una miniserie en 8 números con la cual ganó el Premio Kirby al mejor artista y el más que prestigioso Yellow Kid.

A mediados de los 80 juntó sus pareceres con el magistral guionista inglés Alan Moore, con el que realizó Brought to Ligh y Big Numbers, la cual quedaría inconclusa.

Además de los comics, Sienkiewicz abordó con su arte otras áreas culturales como Voodoo Child: The Illustrated Legend of Jimi Hendrix (1995), Santa My Life & Times (1998), los diseños de los personajes de Where in the World is Carmen Sandiego? (por el que recibió el Emmy en 1995 y 96), un juego de cartas coleccionables para Upper Deck Entertainment, el diseño y arte para el DVD de la serie animada The Venture Bros. y también trabajó como maestro para la Joe Kubert School of Cartoon and Graphic Art.

Para sus ilustraciones, que se hallan fuertemente influenciadas por el expresionismo y el arte abstracto, utiliza diferentes técnicas como el oleo, el collage y la mimeografía, las cuales escapan al común de este tipo de material de lectura. Esto lo ha transformado en todo un referente para otros ilustradores de la talla de Dave McKean (Sandman), Ashley Wood (Judge Dredd, Spawn y 30 Días de Noche) y Kent Williams (Hellblazer).

Según se ha contado por Internet, Argentina tendrá la suerte de tener al gran Bill como invitado especial del evento conocido como Comicópolis, que será llevado a cabo en el predio de Tecnópolis (espero que sin demasiada propaganda oficialista mediante) entre el 19 y el 22 de septiembre de 2013.

¡Allí estaremos con nuestros ejemplares para ser firmados!... y en una de esas obtener algún preciado original para la colección.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

-ATOMIKA-

La idea de publicar un post dedicado a Bill Sienkiewiczhace rato que viene rondando por mi cabeza pero, cuando me puse a buscar imágenes para la misma, me di cuenta que la cantidad de trabajos realizados por este magnífico dibujante era enorme.

Es por ello, y ante la inminente llegada de ilustrador a estas tierras argentinas (espero), he decidido poner ante ustedes (y por el módico precio de una) dos galerías dedicadas a su vasta obra artística.

¡¡¡Disfrútenlas!!!

ELEKTRA

BATMAN

NEW MUTANTS & WOLVERINE

MISCELÁNEAS

-ANGELA-

-THE JOKER-

-BLACK WIDOW-

-BROTHERHOOD-

-THE CREEPER-

-DARE DEVIL: REDEMPTION-

-DEATH TRADING CARD GOLD FULL (Esta tarjeta obra en mi poder.

Mi misión en Comicopolis es tratar de hacerla firmar por Bill Sienkiewicz)-

-DRACULA-

-GREEN LANTERN: LAST WILL AND TESTAMENT OF HAL JORDAN-

-HELLBOY-

-THE JOKER-

-KANG EL CONQUISTADOR-

-BOCETO DE MOONKNIGHT-

-SPIDER-MAN UNLIMITED-

-THE JOKERS ASYLUM: MAD HATTER-

-THE TOMB OF DRACULA-

-THOR-

-GALACTUS, EL DEVORADOR DE MUNDOS-

-VAMPIRELLA QUATERLY SPRING 2007-

-BIG NUMBERS-

-THE RING-

CONAN CALENDARIO 1984

-GAME OF THRONES-

-MARLENE DIETRICH-

-WALL-E-

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BILL SIENKIEWICZ: AL LÍMITE DE LA REALIDAD (2)

September 15, 2013, 10:49 am

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LA RUPTURA VANGUARDISTA DE BILL SIENKIEWICZ (por Miguel Nuño para El Mundo.es)

A principios de los años 80, primero en las páginas de Caballero Luna y luego en la de Los Nuevos Mutantes, el vanguardista estilo gráfico de Bill Sienkiewicz irrumpió en la conservadora industria del Comic Book de entonces. Mes a mes, gracias a su asombroso pincel, fue capaz de, según sus propias palabras, “derribar barreras” en estas dos series de Marvel Comics.

Bill Sienkiewicz debutó en el Comic Book a finales de los años 70 en la revista Rampage Hulk dibujando historietas complementarias protagonizadas por El Caballero Luna, con guiones de Doug Moench. Tras un breve paso por Los 4 Fantásticos, fue elegido como dibujante titular de la nueva serie regular de este personaje.

En estas páginas su estilo evolucionó de forma espectacular; de imitar el trazo manierista del maestro Neal Adams paso a ensayar propuestas vanguardistas con sorprendentes resultados visuales. Con ese espíritu experimental empezó a trabajar en Los Nuevos Mutantes en 1984 con Chris Claremont.

La llegada del artista a Los Nuevos Mutantes en el numero 18 supuso una ruptura total con la línea gráfica anterior. Sienkiewicz aportó realismo, profundidad y ambigüedad a los guiones de Claremont, arquitecto del desarrollo de universo mutante en Marvel Comics.

La primera aventura de esta nueva etapa titulada La Saga del Oso Místico es, desde un punto de vista literario, un relato clásico, pero desde un punto de vista gráfico y compositivo, totalmente vanguardista.

Sienkiewicz se mueve a gusto entre el realismo y la abstracción; dibuja personajes de carne y hueso trabajando sus rasgos individuales y, al mismo tiempo, introduce elementos casi abstractos, como el oso demoníaco, resuelto a base de manchas de tinta. Siempre que puede rompe la retícula de la página y estiliza las viñetas buscando carga expresiva. El artista permaneció casi dos años en la serie dibujando, realizando portadas y, al final, solo entintado.

Las páginas de Sienkiewicz en Los Nuevos Mutantes provocaron una fuerte polémica.

“Recuerdo que cuando Chris y yo empezamos a hacer estos números, obtuvimos reacciones muy polarizadas. O encantaban o eran odiados. A mi me resultaba irresistible tener la posibilidad de derribar unas cuantas barreras más. Pero los lectores y su respuesta fue la más temida por los autores sin contrato fijo que entran en el despacho de su editor suplicando más dinero, o más tiempo, o ambas cosas: “Es mejor lo que hacías antes”.

Una buena parte de los seguidores de la serie no entendieron su forma de dibujar y pidieron su cabeza, pero la fuerza visual del trabajo atrapó a nuevos lectores de mente más abierta.

En la segunda mitad del los 80, Sienkiewicz trabajó con los dos autores que cambiaron de forma irreversible el Comic Book, primero con Frank Miller y después con Alan Moore.

Con el estadounidense realizó en 1996 la revolucionaria miniserie Elektra Asesina, por la que ganó el premio Kirby y el Yellow Kid, y la novela gráfica Daredevil: Love and War.

Junto al autor británico publicó en 1989 Shadowplay: The Secret Team, una crítica a las actividades de la CIA incluida en el álbum Brought to Light. Posteriormente realizarían Big Numbers, serie que dejarían inconclusa tras la publicación e tan solo dos números por falta de entendimiento.

Sienkiewicz también probó suerte como autor total en 1988 con la hermética y transgresora obra Stray Toaster, narración al más puro estilo “lynchiano” en la que libera su potencial creativo, publicado dentro de la línea Epic de Marvel Comics.

-GALERÍA DE IMÁGENES-

Tal como les dije en la anterior entrega, la producción artística del "Gran Bill" es variada y extensa, abarcando temáticas tan disímiles como el cine, el comic, el terror y la figura femenina.

Debido a ello la oferta de Image(i)arte creció, no ofreciendo ni uno ni dos... ¡¡SI NO QUE SE TRATAN DE TRES POST DEDICADOS A LA OBRA DE ESTE INSIGNE ILUSTRADOR NORTEAMERICANO!!

UNIVERSO DC

BATMAN